MATCHING MOLE “On the Radio · A BBC Recording”

HUX Records. CD, 2006

di alessandro nobis

Nel 1972 i Matching Mole, splendido ensemble inglese, erano un quintetto stellare formato da Robert Wyatt (batteria, voce, elettronica), Bill McCormick (basso elettrico), Dave McRae (Fender Rhodes), Phil Miller (chitarra) e Dave Sinclair (Organo Hammond) che comprendeva un interessante quanto inedita coppia di tastieristi. I Matching Mole ahimè ebbero breve durata · nel momento della registrazione del terzo disco Wyatt ebbe quel tragico “incidente” che tutti conoscono ·, ma con solamente due album in studio ed una manciata di registrazioni live uscite postume hanno lasciato un’impronta indelebile, posso dire che furono la più fulgida meteora nel panorama del Canterbury Sound di quegli anni.

Questo CD pubblicato dalla Hux Records raccoglie dieci brani live dei Matching Mole risalenti al 1972, cinque dei quali già presenti nel compact “BBC Radio 1 Live in Concert” curato dalla Windsong nel 1994 e che riportano registrazioni risalenti al 27 luglio di quell’anno; le prime cinque tracce sono antecedenti, seppur di qualche mese, alla session citata. Ecco, i concerti mostrano i M. M. in tutta la loro espressività. Il ruolo di Wyatt cantante emerge prepotentemente come ad esempio all’inizio di “Instant Pussy” con il Rodhes che lo accompagna ed il resto del gruppo che interviene · espressivo il solo di Phil Miller a questo proposito ·, in “Immediate Kitten” con un nel solo di Dave Sinclair o nel lungo medley inziale ” Marchides / Instant Pussy / Smoke Signal” dove si inserisce alla perfezione con la voce filtrata al cambio di tempo tra il riff ipnotico di basso e la parte di piano elettrico.

I Matching Mole assieme agli Henry Cow di Fred Frith sono a mio modestissimo parere i gruppi che si sono spinti “oltre” all’elettrificazione del jazz, alla ricerca di un percorso che guardasse al mondo dell’improvvisazione anche radicale che nei primi anni settanta stava prendendo piede. Melodia più avanguardia era la loro ricetta che dal vivo, senza i vincoli della tempistica delle registrazioni in studio dove si cercava di restare nei quaranta minuti, era perfetta.

Disse al tempo Robert Wyatt a proposito di queste registrazioni: “questo album incapsula alla perfezione che cosa sono stati i Matching Mole“.

In 1972 Matching Mole, a splendid English ensemble, was a stellar quintet formed by Robert Wyatt (drums, vocals, electronics), Bill McCormick (electric bass), Dave McRae (Fender Rhodes), Phil Miller (guitar) and Dave Sinclair (organ Hammond) which included an interesting and unprecedented pair of keyboard players. Matching Mole alas had a short life · at the time of recording the third album Wyatt had that tragic “accident” that everyone knows ·, but with only two studio albums and a handful of posthumous live recordings they left an indelible mark, I can say that they were the brightest meteor in the Canterbury Sound panorama of those years.

This CD released by Hux Records collects ten live songs by Matching Mole dating back to 1972, five of which were already included in the “BBC Radio 1 Live in Concert” compact edited by Windsong in 1994 and which contain recordings dating back to July 27 of that year; the first five tracks are prior, albeit by a few months, to the aforementioned session. Here, the concerts show the M. M. in all their expressiveness. The role of Wyatt singer emerges forcefully as for example at the beginning of “Instant Pussy” with Rhodes accompanying him and the rest of the group who intervene · expressive Phil Miller’s solo in this regard ·, in “Immediate Kitten” with a in Dave Sinclair’s solo or in the long initial medley ” Marchides / Instant Pussy / Smoke Signal” where he fits perfectly with the filtered voice at the tempo change between the hypnotic bass riff and the electric piano part.

Matching Mole together with Fred Frith’s Henry Cow are, in my humble opinion, the groups that have gone “beyond” the electrification of jazz, in search of a path that would look at the world of even radical improvisation which in the early seventies was catching on. More avant-garde melody was their recipe that live, without the constraints of the timing of studio recordings where they tried to stay within forty minutes, was perfect.

Robert Wyatt said of these recordings at the time: “This album perfectly encapsulates what Matching Mole was all about.”

TRACK LIST:

1 – MARCHIDES / INSTANT PUSSY / SMOKE SIGNAL · John Peel 17 · 4 · 1972 Broadcast 9 · 5 · 1972

2 – PART OF THE DANCE · ALBUM: MATCHING MOLE · John Peel 17 · 1 · 1972 Broadcast 25 · 1 · 1972

3 – NO ‘ALF MEASURES · John Peel 6 · 3 · 1972 Broadcast 24 · 3 · 1972

4 – LITHING AND GRACING · John Peel 6 · 3 · 1972 Broadcast 24 · 3 · 1972

5 – IMMEDIATE KITTEN · John Peel 17 · 1 · 1972 Broadcast 25 · 1 · 1972

6 – INSTANT PUSSY · ALBUM: MATCHING MOLE · BBC LIVE IN CONCERT 27 · 7 · 1972

7 – LITHING AND GRACING · BBC LIVE IN CONCERT 27 · 7 · 1972

8 – MARCHIDES · ALBUM: LITTLE RED RECORD · BBC LIVE IN CONCERT 27 · 7 · 1972

9 – PART OF THE DANCE · ALBUM: MATCHING MOLE · BBC LIVE IN CONCERT 27 · 7 · 1972

10 – BRANDY IN A BENJ · ALBUM: LITTLE RED RECORD · BBC LIVE IN CONCERT 27 · 7 · 1972

Le tracce 6 · 7 · 8 · 9 · 10 sono pubblicate nel CD “BBC RADIO 1 LIVE IN CONCERT” dalla Windsong nel 1994

YES “Beyond and Before: The BBC Recordings 1969 · 1970”

Purple Pyramid Records. 2CD, 2022

di alessandro nobis

Dal 1997 al 2019 si contano oltre venti ristampe di questo doppio CD: etichette diverse, copertine diverse, titoli diversi, in versione cd ma anche di doppio ellepì (Purple Pyramid,2019, Music on Vinyl, 2011 o Get Back, 2014). Si tratta di registrazioni effettuate tra il 1969 ed il 1970 per la BBC (con due eccezioni) dalla band al tempo formata da Bill Bruford alla batteria, Chris Squire al basso, Jon Anderson alla voce, Peter Banks alla chitarra e Tony Kaye alle tastiere, la prima line·up degli YES quindi a mio avviso un po’ sottovalutata rispetto a quella successiva con la produzione contraddistinta dalla grafica del geniale Roger Dean.

Brani originali e interpretazioni di altri autori si alternano nei due dischi e la qualità audio è a mio avviso più che discreta se paragonata ai bootleg venduti intorno al 1970; di particolare interesse sono il brano che apre il primo CD, ovvero “Something’ Coming” tratto da “West Side Story” di Leonard Bernstein (con il testo di Stephen Sondheim) del quale sottolineo il “drumming” swingante di Bill Bruford così legato a quello di Buddy Rich e l’interessante rilettura del brano beatlesiano “Every Little Girl” con citazione di “Day Tripper” ed un efficace solo “hard” di Peter Banks. Tra i brani originali la versione live di “Then” con l’incipit dell’hammond di Tony Kaye, “Sweet Dreams” e “Dear Father” sono quelli che lasciano più di altri intravedere il sound degli Yes che verrà.

Quindi esistevano eccome gli Yes prima di “Fragile“, eccome se esistevano! “Yes Album” e “Time and a Word” sono due album che vanno riascoltati con attenzione, solitamente poco considerati da critica e pubblico ammaliati dagli Yes con le grafiche di Roger Dean e l’apporto di Steve Howe e Rick Wakeman; nei due citati album ed in queste registrazioni si ascolta una musica a mio parere più essenziale addirittura vicina a certo jazz rock dell’epoca (cito ancora “Every Little Thing” del ’69 per esempio), piuttosto lontana dalla talvolta eccessiva autoreferenzialità della produzione seguente.

Mi chiedo se esista una versione ufficiale di queste preziose registrazioni. Ma non credo esista …

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From 1997 to 2019 there have been over twenty reissues of this double CD: different labels, different covers, different titles, in CD version but also in double LP version (Purple Pyramid, 2019, Music on Vinyl, 2011 or Get Back, 2014). These are recordings made between 1969 and 1970 for the BBC (with two exceptions) by the band at the time formed by Bill Bruford on drums, Chris Squire on bass, Jon Anderson on vocals, Peter Banks on guitar and Tony Kaye on keyboards. the first line · up of YES therefore in my opinion a little underrated compared to the following one with the production characterized by the graphics of the brilliant Roger Dean.

Original songs and interpretations by other authors alternate on the two discs and the audio quality is, in my opinion, more than fair if compared to the bootlegs sold around 1970; of particular interest are the passage that opens the first CD, namely “Something’ Coming” taken from “West Side Story” by Leonard Bernstein (with text by Stephen Sondheim) of which I underline the swinging “drumming” of Bill Bruford so linked to that of Buddy Rich and the interesting reinterpretation of the Beatles song “Every Little Girl” with a quote from “Day Tripper” and an effective “hard” solo by Peter Banks. Among the original songs the live version of “Then” with Tony Kaye’s hammond incipit, “Sweet Dreams” and “Dear Father” are the ones that more than others let you glimpse the Yes sound to come.

So Yes did exist before “Fragile”, yes they existed! “Yes Album” and “Time and a Word” are two albums that must be listened to carefully, usually little considered by critics and audiences enthralled by Yes with graphics by Roger Dean and the contribution of Steve Howe and Rick Wakeman; in the two aforementioned albums and in these recordings we hear a music that is in my opinion more essential, even close to a certain jazz rock of the time (I’m still quoting “Every Little Thing” from ’69 for example), rather far from the sometimes excessive self-referentiality of the following production .

I wonder if there is an official version of these precious recordings. But I don’t think it exists…

TRACK LIST:

A.1 – SOMETHING’S COMING (BERNSTEIN · SONDHEIM) – Album: YES 1969 (CD ED.NE DE LUXE – Bonus Track) – TOP GEAR 12 · 1 · 69

A.2 – EVERYDAYS (STEPHEN STILLS) – ALBUM: TIME AND A WORD 1970 – TOP GEAR 12 · 1 · 69

A.3 – SWEETNESS (ANDERSON·SQUIRE·BAILEY) – ALBUM: YES 1969 – TOP GEAR 12 · 1 · 69

A.4 – DEAR FATHER (ANDERSON·SQUIRE) – ALBUM: YESTERDAYS ANTOLOGIA 1975 – TOP GEAR 12 · 1 · 69

A.5 – EVERY LITTLE THING (LENNON · McCARTNEY) – ALBUM: YES 1969 – TOP GEAR 12 · 1 · 69

A.6 – LOOKING AROUND (ANDERSON · SQUIRE) – ALBUM: YES 1969 – DAVE SYMONDS SHOW 4 · 8 · 69

A.7 – SWEET DREAMS (ANDERSON · FOSTER) – ALBUM: TIME AND A WORD 1970 – DAVE TRAVIS SHOW 19 · 1 · 70

A.8 – THEN (ANDERSON) – ALBUM: TIME AND A WORD 1970 – GERMAN BROADCAST

A.9 – NO OPPORTUNITY NECESSARY ……. (R. HAVENS) – ALBUM: TIME AND A WORD 1970 – LIVE ON SUNDAY SHOW 17 · 3 · 70

B.1 – ASTRAL TRAVELLER (ANDERSON) – ALBUM: TIME AND A WORD 1970 – LIVE ON SUNDAY SHOW 17 · 3 · 70

B.2 – THEN (ANDERSON) – ALBUM: TIME AND A WORD 1970 – LIVE ON SUNDAY SHOW 17 · 3 · 70

B.3 – EVERY LITTLE THING (LENNON · McCARTNEY) – ALBUM: YES 1969 – LIVE ON SUNDAY SHOW 17 · 3 · 70

B.4 – EVERYDAYS (STEPHEN STILLS) – ALBUM: TIME AND A WORD 1970 – LIVE ON SUNDAY SHOW 17 · 3 · 70

B.5 – FOR EVERYONE (ANDERSON · SQUIRE) – LIVE ON SUNDAY SHOW 17 · 3 · 70

BONUS TRACK

B.6 – (INTRO) SWEETNESS (ANDERSON·SQUIRE·BAILEY) – ALBUM: YES 1969 – JOHNNY WALKER 14 · 6 · 69

B.7 – SOMETHING’S COMING (BERNSTEIN · SONDHEIM) – ALBUM: YES 1969 (Bonus Track) De Luxe Edition – TOP GEAR 23 · 2 · 69

B.8 – SWEET DREAMS (ANDERSON · FOSTER) – ALBUM: TIME AND A WORD 1970 – TOP GEAR 23 · 2 · 69

B.9 – BEYOND & BEFORE (SQUIRE · BAILEY) – ALBUM: YES 1969 – RARE FRENCH BROADCAST

SOSTIENE BORDIN: DEVO “Q: Are we not men? A: We are Devo”

SOSTIENE BORDIN: DEVO

“Q: Are we not men? A:We are Devo”

VIRGIN RECORDS. LP, 1978

di Cristiano Bordin

Se per produrre il disco di esordio di una band si offrono David Bowie, Brian Eno, Robert Fripp e Iggy Pop è facile prevedere che quell’album sarà destinato a restare nella storia. Ed è quello che è successo a “Q:Are we not men? A:We are Devo”. Se vogliamo tradurre in suoni una definizione come “new wave” la scelta può sicuramente cadere su questo disco.

L’anno era il 1978 e, per la cronaca, la gara tra i produttori la vinse Brian Eno che però dovette poi mediare parecchio con il quintetto di Akron, Ohio. “Q. are we not men? A: We are Devo” è insomma il classico disco capace di reggere i cambiamenti epocali che ci sono stati nella musica da allora ad oggi e quindi di diventare un disco senza tempo. I suoni- per quanto realizzati con le tecnologie e gli strumenti dell’epoca- sono ancora freschi e potenti come allora. Basta il riff di “Uncontrollable urge”, la voce schizoide di Gerry Casale, i cori- elemento importante dell’album- e si è pronti per un viaggio in un mondo alla rovescia e per un futuro inquietante anche se descritto con ironia. “Era un mongoloide/A nessuno importava/ Più felice di te e di me”: dice infatti “Mongoloid”.

Ma il viaggio nel futuro – o quello che sarebbe stato il nostro futuro senza che noi lo sapessimo – continua con l’episodio forse più celebre, una “Satisfaction” che da monumento della storia del rock si trasforma diventando un’altra cosa, lontano anni luce dall’essere una cover. Ma il 1978 conosceva anche l’esplosione del punk: c’è traccia di questo nel disco? Senz’altro, tenendo conto che “punk” per i Devo è una forma di espressione, un mezzo, non una gabbia, e che quindi finiscono per essere quelli che hanno tenuto davvero fede al senso originario di quel movimento. “Come back Jonee”, “Gut feeling” devono molto al punk, i riff sono secchi come epoca impone, ma poi c’è sempre qualche particolare, qualche invenzione che supera i clichè.

I cinque di Akron- i fratelli Casale, i fratelli Mothersbaugh con il batterista Alan Myers – hanno la capacità di reinventare e di rileggere suoni ed ispirazioni tra le più diverse: dai Kraftwerk al punk, dall’elettronica a Captain Beefhart alle sigle pubblicitarie. Ne esce un disco da ascoltare, quasi 45 anni dopo, tutto di un fiato fino al finale, più lento e avvolgente, di “Shrivel up”.

C’è un altro elemento importante che segna la storia di questo come dei lavori successivi: la visionarietà, il saper vedere un mondo che cambiava in peggio quando erano in pochi ad accorgersene. E in questa capacità c’entra anche il vissuto dei protagonisti. Il 4 maggio 1970 quando scoppia la rivolta studentesca alla Kent State in Ohio e la polizia spara Gerry Casale era lì. Se andiamo oltre le tute gialle, il gusto per lo show, gli occhiali bizzarri e i cappelli elicoidali scopriamo un gruppo che aveva una forte carica politica. “Sono sempre stato politicizzato – racconta in una intervista Casale – qualunque scelta che noi facciamo è politica, anche la più banale. Oggi stiamo assistendo ad una separazione tra i poveri e ricchi sempre più ricchi, antidemocratici per definizione. Siamo arrivati a questo punto per colpa del peggior capitalismo possibile”.

La devoluzione ha vinto come loro avevano previsto e anche in Usa se ne vedono i frutti come si è visto nei protagonisti dell’assalto a Capitol Hill: “Vogliamo parlare di quel tipo con l’elmo da vichingo? – continua Casale – Assolutamente incredibile, un vero subumano. “Are we not men“? Ecco spiegato il senso di un titolo come quello”.

Il cerchio si chiude, passato e presente con questo album si mescolano, la distopia è servita e la devoluzione continua a stravincere.

Loro, nel 1978, avevano già capito tutto…

COLOSSEUM “The Reunion Concerts 1994”

COLOSSEUM “The Reunion Concerts 1994”

Intuition Records. CD 1995

di alessandro nobis

Questa magnifica testimonianza dal vivo della band di John Hiseman & Co. fa il paio con “Live Cologne 1994” pubblicata nel 2003 dalla Angel Air: è il 28 ottobre del 1994 ed i Colosseum tengono un concerto appunto a Colonia, in Germania, 23 anni dopo lo scioglimento della band ed è qui che accade il miracolo perchè in tutto questo tempo la classe, l’intensità, la passione e l’anima di questa musica è rimasta inalterata e la tecnologia dell’audio e della registrazione regalano ai fans della band di John Hiseman ulteriore, se possibile, splendore, raffinatezza ed un pizzico di nostalgia visto che “Those About To Die …” e “Stormy Monday Blues” provengono dalla registrazione del concerto che il gruppo tenne dopo quello di 23 anni fa al Zelt-Musik-Festival di Friburgo. Il sestetto è quello classico e a parte uno splendido quanto lungo assolo (28 minuti) di John Hiseman che snocciola qui tutta la sua tecnica e la sua creatività, i brani sono quelli che dopo tutto quel tempo il pubblico si aspettava come “Valentyne Suite“, “Those About to die …” (il brano più vicino al jazz con i soli di Greenslade all’Hammond e di HeckStall Smith), ci sono naturalmente il brano iconico di Jack Bruce “Theme from Imaginary Western” con la sempre incisiva interpretazioni di Farlowe, il super classico blues di T·Bone Walker “Stormy Monday Blues” e la progressione di hammond che apre “Lost Angeles“, ed infine lo shuffle di “Elegy” e “The Machine Demands a Sacrifice” che introduce il solo già citato di Hiseman.

Un tour questo che in qualche modo segnerà una svolta musicale della band visto che i magnifici 6 trovarono il tempo e le sinergie di comporre e registrare un album, “Bread & Circuses” a suo modo lontano dallo stile “classico” di John Hisemana & Co..

Ma questa è un’altra storia (che racconteremo).

This magnificent live testimony of the John Hiseman & Co. band is paired with "Live Cologne 1994" published in 2003 by Angel Air: it is October 28, 1994 and the Colosseum hold a concert precisely in Cologne, Germany, 23 years after the breakup of the band and it is here that the miracle happens because in all this time the class, intensity, passion and soul of this music has remained unchanged and the audio and recording technology give the fans of the band by John Hiseman further, if possible, splendor, sophistication and a pinch of nostalgia since "Those About To Die ..." and "Stormy Monday Blues" come from the recording of the concert that the group held after the one 23 years ago at Zelt - Freiburg Music Festival. The sextet is the classic one and apart from a splendid and long solo (28 minutes) by John Hiseman who rattles off all his technique and creativity here, the songs are what after all that time the public expected as the "Valentyne Suite", "Those About to die ..." (closer to jazz with solos by Greenslade at Hammond and HeckStall Smith), there are of course Jack Bruce's iconic track "Theme from Imaginary Western" with the ever incisive interpretations by Farlowe, the super classic blues by T Bone Walker "Stormy Monday Blues" and the progression by hammond which opens "Lost Angeles", and finally the shuffle of "Elegy" and "The Machine Demands a Sacrifice" which introduces the already cited by Hiseman.

This tour will somehow mark a musical turning point for the band as the magnificent 6 found the time and synergies to compose and record an album, "Bread & Circuses" in its own way far from the "classic" style of John Hisemana & Co ..

But that's another story (which we will tell).

VARIOUS ARTISTS “Canterburied Sounds Volume 1”

VOICEPRINT RECORDS, CD 1988

Nel 1988 l’inglese Voiceprint sempre attiva ed attenta al panorama musicale inglese legato in qualche modo al jazz, al rock ma anche alla musica improvvisata inizia la pubblicazione di una serie di quattro CD chiamata “Canterburied Sound” (gioco di parole che indica registrazioni “sepolte” rarissime e mai date alle stampe di musicisti del così chiamato “Giro di Canterbury”).

In 1988 the English Voiceprint always active and attentive to the English musical panorama linked in some way to jazz, rock but also improvised music, began the publication of a series of four CDs called "Canterburied Sound" (play on words indicating recordings " buried" very rare and never printed by musicians of the so-called "Canterbury Scene").

Interessante, parecchio intrigante questo primo volume dove si ascoltano le origini di questo “insieme” di musicisti e autori più o meno legati al jazz maistream ma poi capaci di indicare diverse strade musicali che nel tempo li hanno consacrati come autori delle pagine più interessanti e innovative della musica inglese. Le registrazioni qui riportate coprono un arco temporale che dal 1962 al 1968 e si caratterizzano essendo non professionali da una qualità audio che definirei “accettabile” visto il contesto temporale ma da un’importanza storica a mio avviso davvero notevole.

Interesting, quite intriguing this first volume where we hear the origins of this group of musicians and authors more or less linked to mainstream jazz but then able to indicate different musical paths that over time have consecrated them as authors of the most interesting and innovative pages of English music. The recordings shown here cover a period of time from 1962 to 1968 and are characterized by being non-professional by an audio quality that I would define as "acceptable" given the time context but by a truly remarkable historical importance in my opinion.

Sarà una sorpresa per molti ascoltare la rilettura di “Summertime” come è noto brano dei fratelli Gershwin ad opera dei Caravan di Pye Hastings, dei fratelli Sinclair e di Richard Coughlan con un bel assolo all’hammond di David Sinclair, del duo Mike Ratledge · Robert Wyatt che visita il repertorio di Thelonious Monk (“Bolivar Blues“) o del Ratledge d’annata (1964) al pianoforte in “Piano Standards I“. Ci sono naturalmente i seminali “Wilde Flowers” (Hugh & Brian Hooper, Robert Wyatt e Kevin Ayers) con due demo·tape di “You really Got Me” scritto da Ray Davis dei Kinks e del blues di Dave Clark “Thinking of you Babe” ed il duo Wyatt (chitarra) e Brian Hopper (sassofono) in un brano che sa tanto di improvvisazione informale (“Orientasian“) registrato tra la fine del ’62 e l’inizio del ’63. Infine segnalo il blues elettrico degli “Zobe” di Brian Hopper che suonano “If I Ever Leave You” con la voce e la chitarra di John larner, il trombone di Gordon Larner, l’organo di Frank Larner e la batteria di Ron Huie.

It will be a surprise for many to hear the re-reading of "Summertime" as it is known, a song by the Gershwin brothers by Pye Hastings' Caravan, the Sinclair brothers and Richard Coughlan with a nice hammond solo by David Sinclair, by the duo Mike Ratledge · Robert Wyatt visiting the repertoire of Thelonious Monk ("Bolivar Blues") or the vintage Ratledge (1964) at the piano in "Piano Standards I". There are of course the seminal "Wilde Flowers" (Hugh & Brian Hooper, Robert Wyatt and Kevin Ayers) with two demo tapes of "You really Got Me" written by Ray Davis of the Kinks and Dave Clark's blues "Thinking of you Babe " and the duo Wyatt (guitar) and Brian Hopper (saxophone) in a song that smacks of informal improvisation ("Orientasian") recorded between the end of '62 and the beginning of '63. Finally I point out the electric blues of Brian Hopper's "Zobe" who play "If I Ever Leave You" with John Larner's voice and guitar, Gordon Larner's trombone, Frank Larner's organ and Ron Huie's drums.

Disco importante, il primo di una serie sparita dai radar e mai ristampata come avrebbe invece meritato.

Important disc, the first of a series that disappeared from the radar and never reprinted as it deserved.

1 – CARACAN: FEELIN’, REELIN’, SQUALIN’

2 – WYATT & HOPPER: MUMMIE

3 – DA-DA-DEE / BOLIVAR BLUES :RATLEDGE & WYATT

4 – ORIENTASIA: BRIAN HOPPER / WYATT

5 – YOU REALLY GOT ME: WILDE FLOWERS

6 – THINKING OF YOU BABE: WILDE FLOWERS

7 – MAN IN A DEAF CORNER: BRAIN & HUGH HOPPER

8 – IF I EVER LEAVE YOU: ZOBE

9 – STOP ME & PLAY ONE: WYATT PLUS UNKNOWN GUITAR PLAYER

10 – PIANOI STANDARDS 1: RATLEDGE

11 – BELSIZE PARKED: BRIAN & HUGH HOPPER AND RATLEDGE

12 – SUMMERTIME: CARAVAN

COLOSSEUM “Live!”

Bronze Records. 2LP, 1971

di alessandro nobis

Beh, dovessi scegliere il doppio ellepì registrato dal vivo che più ho ascoltato ed amato (e ascolto e amo tuttora) dagli anni della mia adolescenza ovvero da una cinquantina di anni, questo è il “Live” dei Colosseum, in cima alla montagna. E pensare che i musicisti non erano del tutto convinti di pubblicare quei nastri registrati all’Università di Manchester ed al Big Apple di Brighton nel marzo del ’71, ma le cose andarono per nostra fortuna diversamente e la Bronze Records (e la Warner Bros. negli USA) consegnarono alla storia della musica rock questo luminosissino diamante. Scusate la retorica ma veramente questo è uno straordinario disco, la band è all’apice della creatività, la line-up è quella fantastica con Chris Farlowe alla voce, Dave “Clem” Clempson alla chitarra, con John Hiseman alla batteria, Dick Heckstall-Smith ai fiati, Dave Greenslade all’Hammond e Mark Clarke al basso, il repertorio è la visione musicale live dei Colosseum, un rock ad alto tenore energetico intriso di blues con ampio spazio al jamming che sviluppa grandemente i brani del repertorio. Basta ascoltare la progressione di hammond e il dialogo con la chitarra di “Lost Angeles”, composta dopo una permanenza californiana a “Los Angeles” (di Farlowe, Hiseman e Heckstall · Smith) o la potenza interpretativa della voce di Chris Farlowe ed il lunghissimo solo di Clempson in “Skeglinton” di Clampson e Hiseman, brani che occupano ciascuno una facciata di questo doppio ellepì. Altre due perle che “raccontano” della formazione musicale dei membri dei Colosseum sono il celeberrimo brano di T·Bone Walker “Stormy Monday Blues” in delle più convincenti e vigorose versioni in assoluto, la prima parte più simile all’originale e quella centrale con una jam tra Clempson, Farlowe e Heckstall · Smith e la splendida rilettura di “Walking in the Park” composto dall’organista e scopritore di talenti Graham Bond nella cui Organ·Isation molto di quello che riguardo il cosiddetto British Blues ebbe inizio a cavallo del ’60.

Nella versione in CD pubblicata nel 2004 è riportato anche un brano di James Litherland, “I’Can’t Live Without You” (presente nell’antologia “The Collector’s Colosseum”).

Disco memorabile a mio avviso: miracolo irripetibile? Macchè, i due Live registrati nel ’94 a Colonia e pubblicati l’anno seguente stanno lì a testimoniarne un altro, stessa energia, scaletta molto simile, stessa band ancora al “top”: due Cd che testimoniano la chiusura di un’epoca, ed il seguente “Bread & Circuses” del 1997 è la prova del cambiamento. Ne parleremo.

HOT TUNA “Yellow Fever”

Grunt Records. LP, 1975

di alessandro nobis

Penso che i tre album usciti tra il 1975 ed il 1976 ovvero “America’s Choice”, “Hopkrov“, parte di “Double Dose” e “Yellow Fever” – del quale per il Record Store Day ne è stata pubblicata una versione con vinile naturalmente giallo – spiazzarono non dico tutti · ma quasi tutti · i followers dell’epoca innamorati di quel suono magico elettro·acustico costruito da Jorma Kaukonen e Jack Casady, suono che poi avrebbero ripreso più avanti fino ai nostri giorni. Qui Kaukonen opta per un nuovo suono, più hard, effettato dall’elettronica come non gli conoscevamo con assoli efficacissimi come in “Song for the Fire Maiden” e ingaggia con Casady un batterista incisivo in grado di assecondare questa sua svolta come Bob Steeler, un secondo chitarrista John Sherman (in “Baby What You Want Me To Do) ed il tastierista Nuck Buck (suo è il suono del sintetizzatore in “Bar Room Crystal Ball“).

“Hard Blues”, “Hard Rock”, “Mainstream Rock” chiamatelo come volete ma questo e gli altri due lavori della tripletta citata in apertura restano a mio avviso degli ottimi dischi; Kaukonen non abbandona le sue origini di suonatore di blues e propone in “Yellow Fever” due rivisitazioni di brani accredidati a Mathis James “Jimmy” Reed (il già citato “Baby What You Want Me To Do) e “Hot Jelly Roll Blues” del misconosciuto bluesman George Carter, vissuto nella prima metà del XX secolo che registrò, questo per la cronaca, solamente quattro brani su 78giri; i due brani aprono “Yellow Fever”, quasi il chitarrista californiano volesse avvisare i suoi estimatori che non aveva abbandonato il blues e che non aveva l’intenzione di farlo ma che aveva trovato un modo diverso (più moderno? più innovativo?) per suonarlo.

Tra i brani di nuova composizione voglio citare “Half / Time Saturation” scritto dai tre Tuna e con notevolissimo assolo “effettato” di Kaukonen ed il conclusivo brano del chitarrista “Surphase Tension” con il fingerpicking elettrico in apertura ed una interessante sovrapposizione di chitarre ma con un andamento che sembra riportare il suono della band a quello dei primi album.

“Yellow Fever” è un album da rivalutare a mio parere. Chi ce l’ha lo estragga dallo scaffale e lo riposizioni sul giradischi.

TEMPEST “Living in Fear”

Island · Bronze Records. LP, 1974

di alessandro nobis

Chiusa l’esperienza in quintetto con le due chitarre di Alan Holdsworth e Ollie Halsall ed il cantante Paul Williams (https://ildiapasonblog.wordpress.com/2022/05/20/jon-hiseman-tempest-bbc-session-1973/), nell’ottobre del 1973 Hiseman ritorna in studio con il fedelissimo Mark Clarke e con il solo Halsall, una formazione in trio quindi per registrare il secondo album, “Living in Fear” che verrà pubblicato nell’aprile del 1974 sempre dalla Bronze Records. All’epoca dei fatti le cronache della stampa specializzata della terra di Albione riportavano commenti piuttosto freddi rispetto di quelli di solo qualche mese prima: “tre ottimi musicisti non fanno una ottima band“, dicevano, una frase “di circostanza” usata spesso.

Degli otto brani equamente suddivisi nelle due facciate, al solito ne segnalo quelli che a mio avviso sono i più significativi: “Waiting for a Miracle” è l’unica oasi di relativa tranquillità in un mare fatto di rock molto arcigno, di riff squadrati, di assoli misurati dove la ritmica dei Colosseum lascia quelle atmosfere facilmente riconoscibili e grazie alla rugginosa chitarra di Ollie Halsall entra nel mondo dei “power trio” nella migliore accezione del termine, e la rilettura “hard” della beatlesiana “Paperback Writer” mi piace ancora, non troppo calligrafica e con un bel solo di chitarra.

“Walking down a dusty road” è l’incipit di “Stargazer” scritta da Clarke assieme a Susie Bottomley è il brano che a mio avviso può essere considerato il brano manifesto di “Living in the Fear“, per i breaks di Halsall, per la ricerca sonora delle percussioni di Hiseman mentre “Dance of my Tune” sempre di Clarke · Bottomley è un lungo brano di grande impatto dove il basso duetta con la batteria (fondamentale è ascoltare con attenzione il fantastico drumming di Hiseman) con una parte centrale più lenta che contiene un lungo e prezioso solo di chitarra che conduce via via al gran finale.

Un gran bel disco che si fa apprezzare almeno da sottoscritto ancora oggi, un peccato che la storia dei Tempest finisca qui: i power trio non ebbero grande fortuna, quello di Tim Bogert, Carmine Appice e Jeff Beck potrebbe raccontarci una storia simile ………..

MOVING HEARTS “Moving Hearts”

WEA Records. LP, 1981

di alessandro nobis

Per gli appassionati di musica irlandese questo primo ellepì dei Moving Hearts fu una sorta di pugno nello stomaco: vedere Donal Lunny, Dave Spillane e Christy Moore “contaminare” la loro purissima cultura tradizionale con musicisti di ambito rock fece un certo effetto. Per chi invece aveva già conosciuto queste “contaminazioni” nel decennio precedente come quelle provenienti dalla vicina Inghilterra fu una grandissima sorpresa, erano due idiomi che si fondevano alla perfezione dando origine ad uno straordinario nuovo mondo musicale inedito per l’Irlanda che sfruttava tutta l’energia portata non solo dai tre “tradizionalisti” citati sopra ma anche da Noel Eccles, Eoghan O’Neill, Declan Sinnott (gran chitarrista anche acustico che in seguito accompagnerà Moore in numerosi tour), Keith Donald e Brian Calman.

Non è difficile trovare le tracce della tradizione irlandese soprattutto grazie alle pipes di Spillane o della migliore canzone d’autore, ma soprattutto leggendo la scaletta ed i testi è facile comprendere il contenuto fortemente politico che i Moving Hearts hanno voluto dare a questo disco: la travolgente “Hiroshima Nagasaki Russian Roulette” scritta dal songwriter americano Jim Page ci narra naturalmente dell’olocausto nucleare ed ha dei magnifici break di Spillane (il primo piper a decontestualizzare le uilleann dal contesto tradizionale) e Sinnott, le pipes sono protagonista dello strumentale “McBrides“, composizione di Lunny e Sinnott dedicata alla figura dell’attivista pacifista Sean McBride, la splendida rilettura cantata da Christy Moore della “Before the Deluge” di Jackson Browne dell’attivismo ecologista, “Irish Ways and Irish Laws” è un brano di notevole impatto scritto da John Gibbs che ricorda come prima dell’arrivo dei Vichinghi – i primi ad arrivarvi nel 795 – l’Irlanda fosse una terra “libera” con la propria vita e le proprie leggi.

Da segnalare inoltre una rilettura di “Faithful Departed” di Philip Chevron dei Pogues, è la storia d’Irlanda rappresentata dall’emigrazione oltreoceano, dalla disoccupazione e dal secolare conflitto nelle contee dell’Ulster.

Questo disco eponimo degli Hearts rappresenta una sorta di disco “perfetto” dove l’equilibrio del suono tra rock, folk ed anche in qualche misura jazz (i break di Keith Donald) e la forza dei testi è a mio avviso perfetto; uno dei dischi dai quali non mi separerei mai.

SOSTIENE BORDIN: STORMY SIX “Al Volo”

COOPERATIVA L’ORCHESTRA. LP, 1982

di Cristiano Bordin

Trovo “Un biglietto del tram” un lavoro particolarmente ben riuscito, difficile da replicare. Ma a me piace moltissimo anche “Al volo”, l’ultimo album in studio e forse i nuovi ascoltatori potrebbero cominciare da lì e sicuramente rimarrebbero sorpresi”.

Franco Fabbri, che degli Stormy Six era il chitarrista e una delle menti musicali, senza dubbio ha ragione.

“Al volo”, uscito nel 1982, è sicuramente un disco che a distanza di tanto tempo è in grado di stupire. Ma è anche un album assolutamente sottovalutato nella discografia del gruppo, passato quasi inosservato al momento della sua uscita: è il loro congedo dopo anni intensi, sul palco e fuori dal palco, ma rappresenta anche un momento importante per la musica italiana degli anni ‘80 e dunque meriterebbe di essere riscoperto.

Gli Stormy Six hanno attraversato un bel pezzo di storia musicale del nostro paese: iniziano negli anni ‘60 tra beat e Cantagiro, rappresentano in pieno gli anni ‘70 con “Un biglietto del tram”, sono tra i protagonisti di Rock in Opposition insieme ad Henry Cow, Etron Fou, Universe Zero, Art Bears e da quel confronto/unione nasce un disco come “Macchina maccheronica”.

Fabbri però aveva vissuto un’altra stagione prima di formare gli Stormy Six, con gli Stregoni: con loro ha accompagnato come gruppo spalla addirittura i Rolling Stones durante un loro tour italiano negli anni ‘60.

E nelle file della band sono passati nomi illustri: se guardiamo le formazioni dei loro album – uno diverso dall’altro – nell’esordio, “Le idee di oggi per la musica di domani”, al basso troviamo ad esempio Claudio Rocchi.

Oggi Fabbri è un affermatissimo musicologo con una lunga ed interessante bibliografia, si è a lungo occupato dal rapporto tra musica e tecnologia e insegna all’università; il cantante Umberto Fiori è invece considerato tra i più importanti poeti italiani di oggi.

Ma torniamo a “Al Volo”, un album che rappresenta in pieno il tempo in cui esce ma che è in grado in qualche modo di anticipare anche un pezzo di futuro come ci raccontano i testi: spazi vuoti, non luoghi, solitudini.

La banca, la Standa, Piazza degli Affari, per stare al titolo di uno dei brani.

La fotografia di un decennio, quindi, gli anni ‘80.

La musica pesca invece nell’enorme bagaglio dei 5 musicisti che firmano il disco trovando strade magari tortuose, ma senza dubbio nuove per il gruppo: c’è il passaggio all’elettrico e all’elettronica rispetto agli episodi precedenti ma soprattutto c’è tanta voglia di sperimentare, di mescolare le carte, di dare un significato, nei suoni e nell’attitudine, al termine “progressivo”.

Ne esce fuori un album in cui ci sono tracce dei Gentle Giant come dei King Crimson, echi del progetto Rock in Opposition ma anche suggestioni che rimandano alla nuova scena inglese come gli Wire.

Un bel calderone, insomma.

Non facile da assemblare ma perfettamente riuscito in tutti i suoi episodi.

Il basso rincorso dalla batteria e poi da una chitarra dal suono metallico aprono l’album con “Non si sa dove stare” che è un po’ il “manifesto” del disco.

Ma è anche il brano che praticamente tutti gruppi catalogati come new wave o post punk, nati intorno agli ‘80, avrebbero voluto scrivere senza però riuscirci.

Il suono che domina “Al volo” è quello della chitarra-synth- strumento in voga in quel periodo e poi protagonista dell’album solo di Fabbri “Domestic flight” – e il disco ruota intorno a quel suono e al lavoro delle tastiere sempre ben sostenuto dalla ritmica.

Ne escono fuori altri episodi riuscitissimi: da “Reparto novità”, col suo inizio solenne, al crescendo nervoso di “Piazza Affari”, dall’equilibrio elettro/acustico di “Ragionamenti” in cui la voce si prende parte della scena, al suono arioso, quasi pop di “Roma” in cui Fiori dimostra la sua abilità poetica, “Tutti i treni hanno odore di mandarini/ Erano mesi in cui fioriscono anche i pali del telefono/ e sono fresche le gallerie”.

“Qualche volta i miei studenti – racconta Franco Fabbri – mi chiedono: “Ma come facevate a suonare pezzi di 10 minuti a memoria senza fermarvi mai?” Ecco, purtroppo, molta musica che ascolto oggi ha un sentore di cameretta, di chiuso, di solitudine”

“Al volo” invece è un album capace di rappresentare davvero una stagione e un paesaggio, anche umano, ormai totalmente cambiato e dalla direzione segnata: “Mi trovo alla Standa/Non cerco niente” il verso che lo racconta con più efficacia.

“Al volo” descrive il nuovo decennio, il suo brusco ribaltamento rispetto al passato recente, con suoni che riescono a guardare però sempre al futuro chiudendo un cerchio e un percorso – che si è riaperto soltanto per una serie di concerti – reunion – che ha visto gli Stormy Six sempre e comunque protagonisti.