MARTINO VERCESI “New Thing”

MARTINO VERCESI “New Thing”

MARTINO VERCESI  “New Thing”

Alessio Brocca Edizioni Musicali. CD, 2019

di alessandro nobis

COPERTINA - New Thing di Martino VercesiA due anni dal precedente “Supercluster” il chitarrista e compositore milanese Martino Vercesi pubblica questo notevole “New Thing” dedicato al neonato figlio Marcello, alla testa di un quartetto formato da Danilo Gallo al contrabbasso, Rudi Manzoli al sassofono e Matteo Rebulla alla batteria. E’ il suo quinto album da solista e la sua musica attraversa l’insidioso fiume del mainstream, in grado di travolgere chiunque lo affronti senza originalità o con pedisseque interpretazioni di pluri – interpretati standards. Questo non è il caso del combo di Vercesi, tutt’altro; le sei composizioni che danno vita all’album, tutte del chitarrista, evidenziano un jazz molto cantabile, eseguito con grande consapevolezza ed altrettanta preparazione tecnica, con arrangiamenti che lasciano spazio alle individualità che mai debordano in sterili virtuosismi ma contribuiscono a creare un suono d’insieme di grande effetto. La chitarra ha un suono molto naturale, privo di effetti, e ciò consente di apprezzare ancora di più il fraseggio nelle parti d’insieme che in quelle solistiche. Non mi piace citare altri musicisti ma questa volta, giusto per dare l’idea della purezza di questa musica nelle parti eseguite in tre, non posso non citare il trio di Abercrombie, quello con Peter Erskine e Marc Johnson, gli appassionati di ECM sanno di cosa parlo; inoltre il sassofono di Rudi Manzoli è sempre puntuale e misurato negli interventi, come ad esempio in “He won’t get far”, dove esegue il tema all’unisono con la chitarra, esegue un significativo e lungo “solo” per poi farsi da parte e ritornare in conclusione dopo uno splendido solo di Vercesi. Oppure in “Old America”, lunga ballad con l’introduzione del contrabbasso di Danilo Gallo che detta il tempo, entra l’arpeggio di chitarra che espone il tema in seguito accompagnata dal sax tenore che precede l‘ingresso della batteria che lascia sul finale lo spazio per il solo di Manzoli; brano che mi ha impressionato per l’ariosità e la sua pacatezza e che conclude questo bellissimo lavoro.

Un musicista, Martino Vercesi, che non conoscevo, un disco che mi ha avvolto e coinvolto dal primo ascolto. Mi capita di rado.

TRACCE

  • 1  First Coffee Break (M. Vercesi)
  • 2  He won’t get far (M. Vercesi)
  • 3  Fanciful Dream (M. Vercesi)
  • 4  Go Further (M. Vercesi)
  • 5  Hold on Please (M. Vercesi)
  • 6  Old America (M. Vercesi)

 

www.martinovercesi.com

martino.vercesi@libero.it

 

 

 

DALLA PICCIONAIA: BERGAMO JAZZ 2020

DALLA PICCIONAIA: BERGAMO JAZZ 2020

DALLA PICCIONAIA: BERGAMO JAZZ 2020

15 – 22 marzo, 42° edizione

di alessandro nobis

Bergamo Jazz presenta anche in questo 2020 un programma la cui struttura a mio modesto avviso dovrebbe essere presa ad esempio da chi si candida alla direzione artistica di un qualsivoglia Festival di musica afroamericana: i Maestri vicino ai nuovi talenti, il maistream vicino alla sperimentazione, niente assurdi ammiccamenti al pop e dintorni, gli eventi distribuiti nei teatri e in molti altri luoghi istituzionali e non della bellissima Bergamo. Da Dave Douglas a Maria Pia De Vito la direzione artistica si mantiene di alto livello con una continuità di pensiero che negli ultimi quaranta anni ha saputo costruire un festival tra i più apprezzati dal pubblico e naturalmente tra i più ambiti dai musicisti. Creberg Teatro (in sostituzione del Teatro Donizetti, in restauro), Teatro Sociale, Museo della Cattedrale, l’ex Oratorio di San Lupo, Accademia Carrara, Auditorium di Piazza della Libertà, Sala Piatti, le strade della Città Bassa; ma non finisce qui perché “Scintille in Jazz”, la sezione del Festival occuperà ancora altri spazi come il Museo Bernareggi, lo Spazio Polaresco e l’Elav Circus. Questo per ciò che riguarda la musica in senso stretto, perché Bergamo Jazz cronologicamente viene dopo il Bergamo Film Meeting e quindi un una sorta di osmosi ecco i jazzisti che sonorizzano il cinema e la fotografia …………….., per non parlare poi della sezione didattica fondamentale per far conoscere ai giovanissimi il jazz formando anche il pubblico del futuro, un aspetto questo fondamentale perchè bisogna almeno provarci.

Insomma carne al fuoco ce n’è tantissima, ognuno potrà scegliere gli eventi a cui assistere e perché no, assistere a tutti gli eventi.

Quindi, a questo punto faccio una selezione degli eventi che personalmente mi sembrano più interessanti, ma solamente perché sono vicini alla musica che spesso ascolto e che spesso tento di descrivere con un piglio da musicofilo sul blog. Qui il festival si dovrebbe vedere e ascoltare tutto …

Inizierei con l’appuntamento di venerdì 20 all’Ex Oratorio San Lupo con la performance (ore 17:00) del chitarrista sardo Paolo Angeli, figura fondamentale della musica di avanguardia che con la sua chitarra sarda “preparata” dimostra come si possa smontare e rimontare il repertorio dei Radiohead band che con il jazz nulla c’entra ma la cui musica nelle mani di Angeli viene trasformata in un qualcosa d’altro, come si suo ascoltare nel suo “22.22. free Radiohead”. Il giorno seguente, sempre alle 17  ma all’Auditorium di Piazza della Libertà c’è l’attesissimo – almeno per chi scrive –  trio di Elvind Aarset, Gianluca Petrella e Michele Rabbia con le loro composizioni originali filtrate in modo intelligente ed equilibrato dall’elettronica che presenteranno l’ottimo “Lost River” prodotto da Eicher; tre musicisti che hanno sempre volto uno sguardo attento alle nuove sonorità che aprono nuovi spazi al jazz ed alla musica contemporanea. Naturalmente imperdibile il duo Karin Krog – John Surman (Domenica 22, Sala Piatti ore 11), due musicisti che hanno segnato la storia dell’etichetta di Manfred Eicher e del jazz europeo; straordinario evento anche perché negli ultimi anni il sassofonista inglese si è fatto poco vedere nel nostro Paese. Tra gli eventi al Teatro Sociale mi sono segnato sull’agenda il doppio concerto di giovedì 19; all’ottimo trio del pianista polacco Marcin Walilewski è stato assegnato il primo set, mentre il secondo vedrà sul palcoscenico il trio del sassofonista Chris Potter, con il pianista Craig Taborn ed il batterista Eric Harland. Non finisce qui perché il trio avrà come “ospite” nientemeno che il geniale chitarrista americano Bill Frisell: ne sentiremo delle balle come si suol dire. L’ultimo appuntamento che “mi” e “vi” segnalo è quello con il chitarrista Jakob Bro in compagnia di Mark Turner (sassofono), Thomas Morgan (contrabbasso) e Joey Baron naturalmente alla batteria (da ascoltare assolutamente il notevole “Bay of Rainbows” del 2017 per l’ECM). E mi fermo qui, non c’è nel programma un evento che non segnalerei, magari ci penseranno a farlo penne ben più autorevoli della mia.

A Bergamo non si fanno mancare niente ed infatti il 23 gennaio si aprirà “Aspettando il Festival”, un’altra decina di appuntamenti a Bergamo e dintorni organizzati da Associazioni e locali, fino al 4 marzo.

Programma 2020.jpg

INFO E BIGLIETTERIA

Concerti al Creberg Teatro

Per le tre serate in abbonamento al Creberg Teatro, la Fondazione Teatro Donizetti e ATB offrono un servizio di trasporto convenzionato a € 5,00 con una navetta in partenza dal Teatro Donizetti (lato Sentierone) con destinazione Creberg Teatro e ritorno.

Andata: partenza navetta dal Teatro Donizetti ore 20.15. Ritorno: partenza navetta dal Creberg Teatro dopo la fine del concerto

Il servizio navetta è prenotabile direttamente presso la Biglietteria della Fondazione Teatro Donizetti, che consegnerà un tesserino da esibire al personale del Teatro prima di salire sull’autobus.

Concerti al Teatro Sociale

Presentando al personale ATB l’abbonamento o il biglietto d’ingresso ai concerti a pagamento in programma al Teatro Sociale, si avrà accesso gratuito ai mezzi pubblici ATB (funicolare compresa) da e per Città Alta nei giorni di concerto, a partire da 2 ore prima dell’inizio dello stesso e fino a 1 ora dopo l’uscita da teatro.

18APP e CARTA DEL DOCENTE

La Fondazione Teatro Donizetti aderisce alle iniziative 18App e Carta del Docente: gli studenti che hanno compiuto 18 anni e i docentidi ruolo delle istituzioni scolastiche statalipossono acquistare abbonamenti e biglietti di Bergamo Jazz usufruendo del bonus ministeriale di 500€.

Prezzi abbonamenti e biglietti Concerti al Creberg Teatro

Abbonamenti da 45,00 a 83,00 €; ridotti da 40,00 a 75,00 €

Biglietti singoli concerti da 20,00 a 37,00 €, ridotti da 15,00 a 28,00 €.

Biglietti altri concerti

Da 5,00 a 15,00 €; ridotti da 3,00 a 11,00 €

Concerti sezione Scintille di Jazz e mostra di Jimmy Katz Ingresso gratuito fino a esaurimento posti

Calendario vendita abbonamenti e biglietti:

Concerti fuori abbonamento a pagamento: dal 28 gennaio 2020

Rinnovo abbonamenti: dal 28 gennaio al 1° febbraio 2020

Nuovi abbonamenti: dal 6 febbraio 2020

Biglietti singole serate al CREBERG TEATRO: dal 13 febbraio 2020

BIGLIETTERIA

c/oPROPILEI DI PORTA NUOVA

Largo Porta Nuova, 17 – Bergamo

Tel. 035.4160 601/602/603

E-mail biglietteria@fondazioneteatrodonizetti.org

Orari:

Da martedì a sabato | ore 13.00-20.00

Domenica 25 marzo | ore 17.00-20.00

c/oALTRI LUOGHI DI SPETTACOLO

La biglietteria apre 1 ora e mezza prima dell’inizio del concerto

www.teatrodonizetti.it

info@fondazioneteatrodonizetti.org

SOSTIENE BORDIN: RIP RIG & PANIC “God”

SOSTIENE BORDIN: RIP RIG & PANIC “God”

SOSTIENE BORDIN: RIP RIG & PANIC  “God”

Virgin Records. doppio 12 pollici, 1981

di cristiano bordin

In principio era il Pop Group. Due album essenziali per capire i percorsi e le potenzialità del post punk, “Y” e “For how much longer do we tolerate mass murder” per un percorso brevissimo  che terminò nel 1980 riprendendo  poi solo con la reunion di 35 anni dopo.

Nel 1980, con la fine del Pop Group, inizia una specie di diaspora dei musicisti che ne facevano parte.

imagesMark Stewart fonda i Maffia e prosegue lavorando   sul versante dub/industrial collaborando con diverse etichette, la On U Sound tra le altre, e con moltissimi musicisti.

Simon Underwood, bassista del Pop Group, forma invece i Pigbag e si spinge sul lato più funky della band originaria. Gareth Sager, chitarrista ma anche sassofonista, e Bruce Smith, batterista, mettono insieme a questi altri suoni  spaziando un po’ ovunque  e raccolgono altri musicisti: il pianista Mark Springer e una cantante poco più che sedicenne e allora sconosciuta, la  figlioccia di Don Cherry, Neneh Cherry.

Parte così l’avventura dei Rip Rig & Panic.

L’esordio è un anno dopo la fine del Pop Group, il 1981 con un album chi si intitola “God”.

Un album strano per la scelta del formato, un doppio 12 pollici che gira a 33. Quattro facciate  identificate con altrettanti colori: rosso, giallo, verde e blu. Sono passati 38 anni da questo esordio ma “God” è un album che ha ancora parecchie cose  da dire, un album che ad ogni ascolto sarà sempre capace di rivelare  qualche particolare nuovo. Insomma un album che non invecchierà mai. Riascoltandolo, o continuando ad ascoltarlo nel tempo, stupiscono due cose: l’autorevolezza, la sicurezza, la grande tecnica dei musicisti, tra l’altro giovani, e l’originalità del progetto. Avventurarsi su queste strade è rischioso ma chi suona ha metabolizzato l’esperienza del Pop Group e vuole continuare su quel percorso aggiungendo influenze, suggestioni e richiami.

Nel 1981 “God” era un disco davvero molto avanti rispetto a quei tempi: esplorava percorsi apparentemente  quasi contraddittori, metteva insieme suoni molto diversi ma che alla fine risultavano coerenti e assolutamente comprensibili anche se il percorso tanto facile non era. Ma la musica di “God” per quanto eclettica riusciva a stupire e a comunicare sia con chi allora ascoltava post punk sia con chi ascoltava jazz- e dal jazz prendono infatti  il nome rifacendosi ad un brano di Roland Kirk- sia con chi ascoltava black music.

L’esordio dei Rip Rig & Panic è il classico disco a cui dare un’etichetta è un’operazione oltre che sbagliata, sostanzialmente inutile. Chitarra, piano e sax con una padronanza e una fantasia incredibile, esplorano sentieri che partono dal funk per arrivare al jazz arrampicandosi in fraseggi free con un attitudine in certi punti ruvida e tribale, “Knee deep in shit” ad esempio,  in altri, “Howl caged bird”  quasi funanbolica. Ma non mancano momenti di compostezza e di rigore  jazzistico se pensiamo al piano di Springer in “Blue bird third” o in “Change your life“. Come non mancano i richiami alla musica africana ed atmosfere che addirittura anticipano l’hip hop . La voce di Neneh Cherry, quando compare, poi è una sorpresa.

La storia della band proseguirà con altri due album, “I am a cold”, in cui suona anche  Don Cherry,  e il conclusivo “Attitude” che esce nel 1983. “God”, senza togliere nulla agli due di altissimo livello entrambi, è l’album di esordio che quindi ha quel pizzico di incoscienza e di potenza in più. E che quasi 40 anni dopo resta un capolavoro.

DUCK BAKER “When you wore a tulip”

DUCK BAKER “When you wore a tulip”

DUCK BAKER “When you wore a tulip”

Southern Summer Records. CD, 1977, 2019

di Alessandro Nobis

Pubblicato nel 1976 dalla Kicking Mule Records, “When you wore a tulip” era il secondo significativo lavoro del chitarrista americano Duck Baker e conteneva tracce registrate durante il ’74 e ’75 (dalle session del primo album “There’s Something For Everyone in America”), oltre ad altre risalenti all’aprile del ’76; ora su iniziativa dello stesso Baker viene ristampato meritoriamente con l’aggiunta di cinque “bonus tracks” provenienti dalla registrazione di un concerto parigino sempre del 1976. “All’epoca dei fatti” Baker era già considerato uno dei più autorevoli ed originali interpreti dello stile fingerpicking, stile allora molto ancorato sulla riproposizione del folk anglo-scoto-irlandese, sia per il sua visione piuttosto legata all’improvvisazione, per lo stile applicato alla chitarra con corde di nylon ed infine per il repertorio che spazia dalle tradizioni musicali americane di origine europea al jazz.Interpretazione, arrangiamento, composizione e improvvisazione sono sempre stati quindi i punti cardinali della carriera del chitarrista della Virginia, e già a metà degli anni settanta era leggibile il suo progetto che tuttora porta avanti, da solo (https://ildiapasonblog.wordpress.com/2018/03/10/duck-baker-plays-monk/) o con piccoli combo (https://ildiapasonblog.wordpress.com/2019/08/20/duck-baker-quartet-coffee-for-three/).

DUCK_BAKER_WHEN+YOU+WORE+A+TULIP-590251.jpgQui troviamo brani che fanno parte del suo repertorio da sempre come “Back Home Again in Indiana” scritto da James F. Hanley & Ballard MacDonald o “Huneysuckle Rose” di Fats Waller vicino a sue composizioni come “Plymouth Rock” e “Rapid Transit Blues” ed a splendidi arrangiamenti di fiddle tunes come “Angeline the Baker” e “The Boys of Blue Hill”.

La chicca qui è la sequenza dei cinque inediti registrati a Parigi dei quali vanno citati almeno “Maple Leaf Rag” (Scott Joplin) e “Chicken Ain’t nothing’ but a bird” (letteralmente “le galline non sono altro che uccelli”) di Emmet Wallace, due straordinari arrangiamenti per chitarra acustica.

Mi domando, quando ascolto Duck Baker, come mai un musicista dei questo livello non faccia parte dei cartelloni dei festival jazz italiani “più autorevoli”.

 

 

TIME LAPSE  “The Taste of a 2nd Life”

TIME LAPSE  “The Taste of a 2nd Life”

TIME LAPSE  “The Taste of a 2nd Life”

Dasè SoundLab Records. CD, 2019

di alessandro nobis

Dico subito che questo “The Taste of a 2nd life” non poteva che iniziare con “The beginning”, brano dal ritmo serrato che inquadra subito dopo pochissimo la bontà di questo lavoro del sassofonista Gabriele Buonasorte finalmente alle prese con un progetto tutto suo, lontano dal suo essere un sessionman piuttosto apprezzato. Album introspettivo ed anche fortemente autobiografico con un suono davvero interessante che in certi suoi quadri ricorda certo jazz elettro-acustico degli anni settanta ed ottanta, otto spartiti originali arrangiati con suoni molto interessanti ed un classico quartetto, “Time Lapse” formato oltre che da Buonasorte, dal pianista – tastierista Greg Burk, dal bassista Gabriele Lazzarotti e dal batterista John B. Arnold.

Press kit - Gabriele Buonasorte--Time Lapse - The Taste of a 2nd Life - CoverAlbum così autobiografico da poter essere considerato un concept centrato sulle vicende personali del suo autore che dalla composizione dei brani e dalla loro realizzazione sonora ha trovato il modo di esorcizzare il suo dolore personale, fisico e quindi anche mentale.

Il suono della batteria di Arnold è in grande evidenza in tutto il lavoro, ad essa spesso viene affidato il compito di aprire i brani, sempre efficace l’apporto del fraseggio di Burk, il basso è sempre preciso ed i sassofoni di Buonasorte sono a volte lirici a volte più irruenti ma sempre giocao un ruolo nella costruzione dei brani. “Slow awakening” ad esempio, introdotta da pianoforte e batteria e con il soprano che legge il tema è con il brano iniziale quello che più mi ha colpito per la sua liricità ed il suo carattere introspettivo; brillanti anche “The Magician” aperto dalla sezione ritmica e condotto dal piano elettrico con un bel solo di sassofono mi ricorda davvero – come detto – episodi jazzistici lontani nel tempo, bellissima la melodia evocativa dedicata alla seconda figlia, “Welcome Federica”, con un bel solo di basso elettrico e soprattutto con il sax lungamente protagonista del brano che evidenzia la tecnica e l’anima musicale del sassofonista.

Direi in conclusione musica piuttosto interessante, mainstream di gran classe per un quartetto che merita senz’altro un posto nelle programmazioni dei grandi festival jazz italiani, e non solo.

 

 

DALLA PICCIONAIA: BARRE PHILLIPS & ROBERTO ZORZI “Circolo Nadir, Padova. 24 novembre 2019”

DALLA PICCIONAIA: BARRE PHILLIPS & ROBERTO ZORZI “Circolo Nadir, Padova. 24 novembre 2019”

DALLA PICCIONAIA: BARRE PHILLIPS & ROBERTO ZORZI

“CIRCOLO NADIR, 24 novembre 2019”

di Alessandro Nobis

IMG_3692.jpgIl Nadir è un ospitale piccolo club del circuito ARCI a due passi dalla stazione ferroviaria di Padova, ricavato in quello che probabilmente fu un esercizio commerciale e gestito con grande entusiasmo e capacità. Diviso in due parti, una adibita a bar e l’altra ad auditorium con una quarantina di posti a sedere, ha una programmazione di concerti piuttosto nutrita, e l’appuntamento di domenica 24 novembre era uno di quelli da non perdere per nessun motivo visto che ospite della serata era nientedimeno che uno dei protagonisti dell’avanguardia musicale dell’ultimo mezzo secolo, il contrabbassista californiano Barre Phillips.

La sorpresa dell’ultima ora è stata quella della presenza di un prestigioso ospite, il chitarrista Roberto Zorzi che da sempre naviga nel mondo dell’improvvisazione non idiomatica e del rock più intelligente: ha aperto con un lungo brano il concerto con una chitarra, una serie di marchingegni elettronici e tante idee che si concretizzano e che si accavallano nell’alternanza di momenti più pacati ed altri più irrequieti. IMG_3693 2.jpgE’ questo un linguaggio musicale non di facile realizzazione se non sai “cavalcare” la tigre elettronica che ti può sovrastare e quindi dominare, ma questo non accade perché il chitarrista compositore veronese ha il totale controllo sulla pedaliera e sull’effettistica nonchè ovviamente sullo strumento da cui tutto prende forma, la chitarra elettrica.

Poi ecco il californiano Barre Phillips, una leggenda per parecchi dei presenti, uno che con un’altra leggenda come l’inglese Barry Guy ha negli anni sessanta rivoluzionato il modo di affrontare il contrabbasso portandolo dal jazz alla musica contemporanea e al concetto di improvvisazione assieme anche ad altri straordinari innovatori tra i quali non si può non nominare Derek Bailey.

A ottantacinque anni e con una carriera pluridecennale credo di poter dire che Phillips oramai è un tutt’uno con il suo strumento, suo inseparabile compagno di viaggio con il quale gioca, dialoga con tutte le sue parti ricavando suoni e rumori: basta un estemporaneo colpo di tosse e parte l’idea di un brano che poi si sviluppa, una serie di note pizzicate o di carezze con l’archetto e le idee fluiscono, non replicabili come lo sono queste performance.

Lungo applauso a fine concerto e poi quello che molti si auguravano accadesse accade, ovvero il set in duo: una ventina di minuti creati da due musicisti che non avevano mai collaborato e nemmeno conosciuto (questo non è proprio vero visto che Zorzi qualche decennio fa organizzò a Verona con un concerto con la Company di Derek Bailey), il dialogo e quindi la musica che scorre fluida, il reciproco radicalismo si scioglie e la voglia di assecondare e di interloquire tra i due crea per la durata del set un universo musicale nuovo che si apre con la prima nota e si chiude definitivamente con l’ultima. E’ l’essenza della musica improvvisata verrebbe da dire (l’ho detto, n.d.r.).

Il pubblico ha apprezzato i tre set, e mi piace sottolineare la grande attenzione ed il perfetto silenzio che hanno accompagnato le performance: una serata che i fortunati e lungimiranti presenti non dimenticheranno, sia quelli arrivati appositamente per Phillips anche da fuori Padova che quelli mossi da curiosità – dote rara di questi tempi … – e premiati dalla qualità delle performance di uno dei colossi dell’improvvisazione radicale e di un musicista che percorre pervicacemente un personale sentiero musicale arduo, lontano dai riflettori ma graditissimo a quanti sono disposti a concentrare la loro attenzione sul suo progetto musicale.

 

 

GIOVANNI GHIZZANI “Lost in the Supermarket”

GIOVANNI GHIZZANI “Lost in the Supermarket”

GIOVANNI GHIZZANI “Lost in the Supermarket”

DODICILUNE RECORDS CD Ed432, 2019

di Alessandro Nobis

Non succede così frequentemente nel mondo della musica afroamericana che una cantante scriva con questa qualità della musica assieme ad un pianista e abbia come compagni di viaggio una sezione ritmica (il pianoforte di Ghizzani titolare del combo, il contrabbasso di Kim Baiunco e la batteria di Giuseppe Sardina) e due strumenti solisti come il sassofono e la chitarra. Penso di poter definire Anaïs Del Sordo atipica per la sua capacità improvvisativa come atipica è la sua scelta di destinare alla voce – la sua –  la parte di un altro strumento solista. Non è quindi in questo “Lost in the Supermarket” il gruppo ad accompagnare la voce solista, ma la stessa voce che entra a far parte del quartetto o quintetto, nelle quattro tracce alle quali danno il loro decisivo apporto il chitarrista Alain Pattitoni o il clarinettista Daniele D’Alessandro.

Certo siamo nel mondo del mainstream, ma di quello che preferisco, ovvero quello disegnato partendo dalla propria cultura musicale e dalla propria sensibilità, e mi sembra inutile parlate di preparazione musicale dei musicisti, viste l’intensità e l’interplay che emergono ascolto dopo ascolto. Ghizzani scrive la musica, Anaïs Del Sordo le parole e le “improvvisazioni” – e lo dico sapendo di comporre un ossimoro -; mi sono piaciute le due parti di cui è composto “Flows” con la sottile intro del piano ed il vocalizzo della voce che caratterizzano la prima parte e l’incalzare della ritmica che apre la seconda con un bel solo di Anaïs Del Sordo. Notevoli l’eterea ballad che segue, “Hope” e “Living for Tomorrow” con il brillante e lungo solo di voce che anticipa quelli del pianoforte e della chitarra “sporca” di Alan Pattitoni, brillante strumentista che in seguito dialoga con la voce.

 http://www.dodicilune.it