FRANCESCO MARZIANI  “Changing my life”

FRANCESCO MARZIANI  “Changing my life”

FRANCESCO MARZIANI  “Changing my life” Creusarte Records. CD, 2020

di alessandro nobis

L’etichetta Creusarte da qualche settimana ha pubblicato questo convincente (molto convincente) lavoro del pianista partenopeo Francesco Marziani al quale collaborano anche Marco de Tilla al contrabbasso, Massimo Del Pezzo alla batteria, Giulio Martino al sassofono e Flavio Dapiran alla tromba. E’ un lavoro piuttosto articolato considerato che sono presenti tracce eseguite in solo, in trio, in quartetto ed in quintetto che evidenziato da un lato la preparazione e la capacità compositiva di Marziani e dall’altro l’accurata ed indovinata scelta degli strumenti più idonei all’esecuzione dei brani.

Tra le composizioni eseguite in trio spicca a mio avviso la splendida ballad “With love from Napoli” introdotta dal fraseggio di Marziani e con un significativo solo del contrabbasso di De Tilla; notevole il neo-hard-bop di “Autumn Drops” con un lungo solo di pianoforte seguito dagli opportuni soli del sassofono e della tromba, e mi è piaciuto molto l’arrangiamento di “In your sweet way” dove il tenore di Martino enuncia il tema e si esprime in un lungo ed espressivo assolo ed alla chiusura lascia lo spazio al drumming “con spazzole” di Del Pezzo.

E’ chiaro, qui non troverete voli pindarici sulle insidiose terre dell’improvvisazione radicale, qui c’è una costante ricerca del perfetto equilibrio tra i linguaggi della musica afroamericana e della tradizione classica europea brillantemente mutuati dalla capacità compositiva di Marziani. La presenza di due composizioni come il bellissimo blues del songbook ellingtoniano “Things ain’t what they used to be” e dell’“intermezzo op. 2 118” di Johann Brahms la dicono lunga sul percorso musicale di Francesco Marziani.

 

 

 

NARDI · DI BONAVENTURA · TAVOLAZZI “Ghimel”

NARDI · DI BONAVENTURA · TAVOLAZZI “Ghimel”

NARDI ·DI BONAVENTURA ·TAVOLAZZI  “Ghimel”

VISAGE MUSIC. CD, 2020

di alessandro nobis

Confesso che la musica di questo lavoro ha colpito il centro della mia “confort area” musicale: perché i tre musicisti sono di caratura di primissimo livello, perché i loro background sono diversi, perché mettono in comune le loro esperienze per comporre ed eseguire i brani di questo bellissimo lavoro. La lunga “Ninna Nanna Greca” (che apriva “Gerontocrazia” degli Area) appare qui del tutto trasformata in “altro”, dilatata dagli assoli di bandoneon e di oud ed arricchita ancor più dei colori mediterranei e che senz’altro sarebbe piaciuta a Demetrio Stratos può essere considerata a tutti gli effetti come un “originale”, come lo sono le altre otto tracce di questo lavoro che disegna nel suo percorso paesaggi sonori e musiche che si concretizzano nelle menti di chi le realizza ed in quelle di chi si prende il giusto tempo di ascoltarle ed apprezzarle; quella che una trentina di anni fa si definiva come “nuova musica acustica” qui prende una nuova forma.

Beh insomma per chi ha apprezzato Rabih Abou Khalil ed il suo straordinario lavoro di “attualizzazione” del “sultano degli strumenti” troverà qui la sua prosecuzione sulla sponda settentrionale del Mediterraneo dove Elias Nardi, Ares Tavolazzi e Daniele di Bonaventura convergono le loro idee in un caleidoscopio di colori e di suoni mutuati da un idioma musicale comune, il jazz: il contrabbasso di Tavolazzi che apre “Bassideas” e che dialoga con Nardi, i passi di danza del medioriente di “Danza N. 3” con il bandoneon e l’oud che giocano alternativamente il ruolo di “maestro di cerimonie” e il contrabbasso che detta “i passi” e che ti teletrasporta in una piazza di una qualche isola dell’Egeo greco-turco, la già citata “Ninna Nanna Greca” sono, assieme al brano di apertura “Fosforo” aperta da Tavolazzi con una breve intro i brani che mi sembrano emblematici per descrivere questo ottimo “Ghimel”.

Aspetto di ascoltare dal vivo questa musica dove, immagino, la dilatazione temporale dei singoli brani troverà certamente il suo apice grazie, oltre alla loro bellezza, alla capacità di dialogo dei tre musicisti ed alla magia dell’improvvisazione musicale.

Della musica di Elias Nardi ne ho scritto anche qui:

(https://ildiapasonblog.wordpress.com/2018/03/14/akte-akte/)

http://www.visagemusic.it

 

 

APARTICLE  “The Glamour Action”

APARTICLE  “The Glamour Action”

APARTICLE  “The Glamour Action”

UR Records. CD, 2020

di alessandro nobis

Questo è la seconda incisione del quartetto Aparticle. Dopo il convincente “Bulbs” del 2018 (https://ildiapasonblog.wordpress.com/2019/01/25/aparticle-bulbs/), ecco un nuovo lavoro che conferma quanto di buono si era ascoltato in quello d’esordio: innanzitutto la coesione sonora del quartetto, e questo a mio avviso è riscontrabile ascoltando innanzitutto i due brani che nascono da una improvvisazione collettiva come “First Action” e “Second Action” che partono entrambi da uno spunto del clarinetto basso e della batteria; a mio avviso se dall’esperienza dell’improvvisazione non idiomatica scaturisce un profondo dialogo ed un apporto individuale che contribuisca alla crescita della stessa, ecco che di conseguenza anche nell’esecuzione di brani con “tema” scritti o concordato emergono queste caratteristiche, ed è quello che si nota ascoltando la musica di “Aparticle”.

Giulio Stermieri (piano elettrico), Cristiano Arcelli (ance), Michele Bonifati (chitarra) ed Ermanno Baron (batteria) confezionano quindi un lavoro davvero interessante, creativo, lontano dalla riproposizione di standard che si presenta come un invidiabile equilibro esecutivo che lascia solo immaginare l’aspetto “Live” di Aparticle.

Quoto l’iniziale “Seedsmen” con bei soli di Rhodes e chitarra e con l’incalzante apporto del basso (chitarra), la lunga “Our Warning System” che si sviluppa partendo dall’introduzione dal talentuoso Bonifati che duetta con Baron e con espressivo lungo solo di chitarra nel quale si inserisce il sax tenore che esegue a sua volta un assolo e per concludere “It is Necessarily So” che, a mio avviso quantomeno nel titolo, fa riferimento all’immortale quasi omonimo brano del songbook gershwiniano. Ma forse mi sbaglio.

Un gran bel disco, speriamo che la situazione dei concerti riparta chè di jazz come quello di questo quartetto ce n’è davvero bisogno.

 

VITTORIO DE ANGELIS DOUBLE TRIO  “Believe Not Belong”

VITTORIO DE ANGELIS DOUBLE TRIO  “Believe Not Belong”

VITTORIO DE ANGELIS DOUBLE TRIO  “Believe Not Belong”

Creausarte Records. LP, 2020

di alessandro nobis

Questo nuovo lavoro del sassofonista partenopeo Vittorio De Angelis a mio avviso è interessante “a prescindere” dalla musica che propone – di ottima fattura peraltro – soprattutto per l’originalità della formazione che De Angelis ha pensato e realizzato per suonare le sue composizioni, ovvero quella del doppio trio fiati – batteria – tastiere senza l’ausilio di bassi, i cui ruoli sono coperti dalle tastiere di Domenico Sanna, e Sebi Burgio. Si tratta di un doppio trio “asimmetrico” dove i fiati sono rappresentati soprattutto dalla coppia ancia – ottone: da un lato il sassofono tenore (ed il flauto in “Well 3”) di De Angelis e dall’altro la tromba di Takuya Kuroda o di Francesco Fratini, e ciò che ne esce è “Believe Not Belong” che racconta di un progetto riuscito nel quale vengono equilibratamente mescolati il jazz, il soul, spunti del miglior beat africani ed il funk tanto da farne un originale melting pot di notevole fascino e grande piacevolezza.

Ascoltandolo poi “Believe not Belong” ognuno di noi “vecchietti musicofili” troverà pane per i suoi denti ritrovando piacevolmente atmosfere magari già ascoltate nella sua lunga carriera di fruitore e di curioso della musica, e qui sta il vero divertimento: niente di calligrafico si intende, ma piuttosto un’intelligente riformulazione del linguaggio ed una verve compositiva davvero fertile unita ad una tecnica veramente pregevole. “Roy’s Mood” per esempio, con la tromba di Tayuka Kuroda, è un omaggio al grande Roy Hargrove che in alcuni momenti – per l’uso del piano elettrico e del flauto – potrebbe essere la perfetta colonna sonora di uno spin-off di “Shaft” e “Black Rain” è uno dei brani a mio avviso più significativi e oserei dire più jazzy: il tema all’unisono dei fiati, il possente e perfettamente sincronizzato drumming dei due batteristi (qui sono Massimo Di Cristofaro e Federico Scettri) i significativi soli di pianoforte e di tenore che mi hanno fatto piacevolmente ricordare il suono del quintetto “Out of the Blue” e quello del Tony Williams degli anni ottanta.

Un disco, una musica che più l’ascolti più la apprezzi in tutte le sue sfumature. Una sorpresa per me, Vittorio De Angelis, ed è un buon segno per il jazz italiano, sempre fertile ed interessante in tutte le sue “mutazioni”.

 

SUONI RIEMERSI: BENINI·SBIBU·TERRAGNOLI “Tu whit, tu whoo”

SUONI RIEMERSI: BENINI·SBIBU·TERRAGNOLI “Tu whit, tu whoo”

SUONI RIEMERSI: BENINI·SBIBU·TERRAGNOLI “Tu whit, tu whoo”

IL POSTO RECORDS. LP JPR 1114, 1980

di Alessandro Nobis

Poche città come Verona hanno vissuto anni di grande fermento culturale e musicale come quello degli anni Ottanta. Edizioni memorabili di Verona Jazz, locali come il Double Face e naturalmente come “Il Posto” di Luciano Benini, dove sono passati musicisti di grandissimo livello appartenenti ai più diversi generi musicali; grande spazio fu dato anche ai musicisti dell’area veronese che ebbero l’occasione di presentare i loro progetti alcuni dei quali molto, ma molto interessanti. Benini inoltre fondò una propria etichetta discografica, che ebbe purtroppo vita breve ma con in catalogo ottimi lavori come i due album di Beppe Castellani “Italian Standards”, il doppio ellepì dedicato a John Lennon (https://ildiapasonblog.wordpress.com/2019/10/15/suoni-riemersi-verona-dedicato-a-john-lennon/) e questo del trio di Stefano Benini, Francesco Sguazzabia a.k.a. “Sbibu” ed Enrico Terragnoli.

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Un lavoro che dopo trent’anni, tanti ne sono passati dal quel 1989, regge ancora benissimo all’ascolto dimostrando la bontà del progetto – che poi proseguì negli anni – del trio veronese. Un disco registrato senza alcuna post-produzione che contiene nove tracce originali composte collettivamente; tra ancestralità, elettronica ed ambient, la musica scorre via in modo estremamente piacevole, mai autoreferenziale sa ancora trasmettere emozioni a chi ascolta e questo, lo ricordo bene, anche durante le performance live dove il suono dei tre era sempre equilibrato considerato che gli strumenti acustici e l’elettronica non erano mediati da alcuna apparecchiatura digitale ma erano solamente il frutto dell’abilità e della consapevolezza dei musicisti. La purezza di “Hammurabi”, quasi il sigillo di “Tu Whit Tu Whoo” con il pattern dell’arsenale sonoro di Sbibu ed il flauto di Benini che aprono il brano, l’elettronica nel preambolo di “Eyot” con la suggestione dell’evocativo solo del berimbau che duetta con l’elettronica – quasi un dialogo tra l’antichità delle tradizione ed i nuovi suoni – sono solamente due spunti da questo bellissimo lavoro.

Ristampatelo, scriveteci sopra “duemilaventi” e nessuno se ne accorgerà. Tranne noi “diversamente giovani”. Che lo conserviamo gelosamente.

STEFANO BENINI: bass flute, piccolo, flute, devices, FRANCESCO SBIBU SGUAZZABIA: percussion & all sort, ENRICO TERRAGNOLI: electric guitar & devices

 

 

NEW LANDSCAPES  “Menhir”

NEW LANDSCAPES  “Menhir”

NEW LANDSCAPES  “Menhir”

Visage Records. CD, 2020

di alessandro nobis

Guardo la scaletta che compone questo lavoro e trovo John Cage vicino a Sun Ra, John Dowland vicino ad Ornette Coleman oltre a nove brani scritti dai componenti ovvero Silvia Rinaldi (violino), Francesco Ganassin (clarinetto basso), Luca Chiavinato (liuto barocco e oud) e Sergio Marchesini (fisarmonica) con l’importante contributo di Marco Ambrosini e la sua nickelharpa. Soprattutto le composizioni originali danno la cifra stilistica di questo ensemble, il loro ascolto evidenzia il perfetto equilibrio sonoro scelto, le timbriche degli strumenti, il piacere di suonare assieme ed il grande rispetto di ognuno nel collaborare alla creazione delle composizioni dei compagni di viaggio. Si respirano le arie mediorientali – la bellissima esperienza di “Walking Sounds” nato da un viaggio nel Kurdistan Iracheno e completato in Italia (https://ildiapasonblog.wordpress.com/2018/01/13/mshakht-new-landscapes-walking-sounds/)-, si sentono gli echi della musica antica e mediterranea ma ho percepito soprattutto la voglia di creare qualcosa di nuovo, di un paesaggio sonoro che ognuno può “colorare” durante l’ascolto di questo ottimo “Menhir”, di rendere New Landscapes un progetto “unico”. L’unione della composizione di Chiavinato “Quarto Racconto” con il tradizionale anatolico “Hijaz Mandra” condotto dallo struggente ed evocativo violino di Silvia Rinaldi e la dolcissima “Ikebana” di Ganassin introdotta dal liuto in coppia con il violino e con l’accordeon che emerge via via che il brano si sviluppa sono i due episodi che fanno ben comprendere il valore di questo progetto.

Ma come dicevo ci sono quattro brani che fanno parte della tradizione della classica contemporanea, della musica antica ed al jazz, e qui si evidenzia l’abilità di adattare al proprio suono composizioni molto lontane dalla musica dei New Landscapes. Evidentemente questa distanza è stata ridotta, azzerata direi, grazie allo studio ed agli arrangiamenti che hanno dato nuova luce a questi brani che da “alloctoni” magicamente diventano “autoctoni”: il John Cage di “The Dream”, scritta nel 1948 per solo pianoforte, la colemaniana “Lonely Woman” (1959, dall’ellepì “The shape of Jazz”), la magnifica “In Darkness let me well” composta da Dowland nel 1610 e con il violino che magicamente sostituisce la voce, ed infine l’orientaleggiante “Watusa” scritta da Sun Ra per la sua Arkestra nel ‘66 (da “The Nubians of Plutonia”) non sembrano nemmeno brani di altri e, ripeto, si inseriscono alla perfezione nei nuovi paesaggi dei New Landscapes.

Disco veramente importante.

http://www.visagemusic.it

 

 

ANTONIO COLANGELO  “Tabaco y Azucar”

ANTONIO COLANGELO  “Tabaco y Azucar”

ANTONIO COLANGELO  “Tabaco y Azucar”

DODICILUNE Records. CD, Ed431 2020

di alessandro nobis

Chitarrista e compositore materano letteralmente folgorato dalla musica brasiliana durante una sua permanenza in sudamerica tanto da trasferirsivi definitivamente nel 2007, con questo suo esordio discografico per la Dodicilune presenta un progetto con il quale crea un’ibridizzazione di linguaggi musicali diversi, una musica cosmopolita che vuole legare le culture europea e brasiliana. Lo fa in modo brillante, con un quartetto del quale fanno parte anche Vincenzo Maurogiovanni al basso, Mirko Maria Matera alle tastiere e Pierluigi Villani alla batteria al quale si aggiungono diversi ospiti nelle nove tracce che compongono questo “Tabaco y Azùcar”. Certo non ci sono solamente le due culture citate sopra, c’è anche il linguaggio della musica afroamericana, quello del jazz elettrificato ed acustico che qui permea tutto dando un equilibrio sonoro a questo disco molto gradevole, brioso con arrangiamenti che mettono in risalto non solo il valore degli spartiti ed il gusto di Colangelo alla chitarra – mai sopra le righe e sempre misurato – ma anche il rispetto delle “proporzioni” che fa la differenza tra “il solista ed i suoi collaboratori” ed un ensemble.

L’etereo “Canto di Partenope” per chitarra ed elettronica introduce “Cairo Metropolitano” che ricorda i ritmi e le melodie di certa musica mediterranea con un cantabile solo di chitarra che dialoga amabilmente con le tastiere e un bel calibrato solo di basso e la seguente “Tequila for $5” con un bel riff di basso che conduce la danza – anche qui un significativo lungo solo di Colangelo al quale fa seguito un altrettanto assolo di Mirko Maria Matera – sono i brani che più hanno attirato la mia attenzione assieme alla lunga ballad “Napulengre”, quasi un biglietto da visita di questo quartetto. Poi, dopo un attento ascolto, ognuno troverà qui i “segni” della storia del jazz elettrico che negli ultimi cinquanta anni ha seminato ovunque suoni e stili, anche se, devo dire, non sempre questi semi hanno dato frutti degni di nota. Questo non è il caso di “Tabaco y Azucar”, sia chiaro.

http://www.dodicilune.it

 

TERREMOTO 1891 (quotidiano ARENA, quindicesima parte)

TERREMOTO 1891 (quotidiano ARENA, quindicesima parte)

TERREMOTO 1891 (quindicesima parte)  ARENA, 12 – 13 GIUGNO 1891

DALL’OSSERVATORIO

Verona, 12 giugno, ore 11 ant.

Nel corso della giornata di ieri traccie di leggere ondulazioni: scossa sensibli alle ore 4.48 pom. marcata da tutti gli istrumenti, nella direzione Nord – Nord – Est dalla quall’ora sino alle ore 9.16 pom., ondulazione continua quasi da formare una linea sulla carta sel sismografo.

Nella notte e nella mattina continua ma più debole: lle ore 9.46 ant. forte scossa ondulatoria in direzione Est – Ovest.

Ora il movimento continua poco interrotto.

Per il Prof. Agostino cav. Goiran

L’assistenteBATTOCCHI

 

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VENIAMO IN SOCCORSO

DI TREGNAGO E BADIA

e Comuni finittimi

E’ inutile ormai ogni fervorino per incitare il pubblico a venire in soccorso dei colpiti dal terremoto del sette.

I paesi di Badia Calavena e di Tregnago, di Selva, di Vestena, ecc., si possono dire per tre quarti distrutti: la popolazione attende l’obolo dei generosi.

Lista di ieri L. 953.
Offerte d’oggi:
Pietro Luigi Noris 1.
Catterina Noris 1.
Umberto Noris 1.
Ubaldino Noris 1.
Coniugi Spezia – Aldighieri 20.
Eredi fu Giovanni Bragantini 10.
Pietro Sgulmero 3.
Ditta Federico Pesaro 10.
Trevisani Vittorio 5.
Augusta Menga – Albertini 40.
Carolina Calabi 50.
Carlo Beltrame 10.
Marchese Clavarino Filippo, ingegnere 20.
Contessa Giulia Pellegrini dopo lunga e penosa malattia per la recuperata saluta invia in 2° offerta per i danneggiati del terremoto altre 25.
Dr. Augusto Provolo 10.
Cav. Emanuele Cuzzeri 5.
Clelia ed Attilia Errani (da Russi) 1,50
Gedeone Bissoli, pizzicagnolo 3.
Giovanni Giarneri 7.
Devenuto comm. Eugenio 20.
Co, Francesco Balladoro 50.
Alessandro Marangoni e C. 3.
Chiarotto Cavattoni e C. 30.
Emilio Monti 20.
Ditta Francesco Zeiner 30.
Antonia Borgia – Castagna 25.
Zini dottor Domenico 5.
Pietro Silvestri 10.
Tentori Egidio 5.
Botticella Giuseppe agente delle Tasse ad Isola della Scala 7.
Obicini Alfredo aiuto agente 3.
Achille Cavadini 10.
Giulio Forti 5.
N. N. 10.
Conte Pietro Bevilacqua 25.
Ugo D’Alessi 5.
Uscieri del Tribunale 6.
Totale L. 1454,50

 

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La Camera di Commercio ha deliberato di concorrere con L. 300 a soccorrere i danneggiati dal terremoto, somma che verserà a quel Comitato Provinciale che sarà per costituirsi in Verona.

 

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I terremoti nel veronese

SPIGOLATURE STORICHE

Il recente fenomeno tellurico che ha sorpreso Verona e la parte Nord – Est della provincia, né ancora accenna a cessare completamente, ci suggerisce un po’ di ricerca storica sui terremoti che nei secoli trascorsi afflissero questa vetusta città ed i luoghi circostanti.

Tacendo dei fenomeni sismici verificatesi negli anni 243, 369 e 793 dell’Era volgare sui quali mancano particolari attendibili, prendiamo senz’altro le mosse dal disastroso terremoto dell’anno 894 durante il dominio di Berengario I.

La storia di Lodovico Moscardo Patrizio veronese del secolo XVII registra appunto che nell’anno 804 (settimo di Berengario) «seguì grandissimo terremoto, che fece molti danni nella città e particolarmente rovinò gran parte del Teatro (al di là del ponte della Pietra verso le regaste del Redentore) con la morte di molti e cadde gran parte della prima cinta dell’Anfiteatro (Arena). Berengario sorse, a richiesta di Adeleardo Vescovo, e decretò che ciascheduno potesse gettare a terra fino dai fondamenti quella parte di teatro che minacciava rovina, come si legge nella sua determinazione».

E’ probabile che non molti cittadini abbiano approfittato di questa singolare liberalità del principe Longobardo, se si eccettuano gli abitanti coerenti o più prossimi allo splendido edifcio posto in luce e illustrato dal Monga, scampati al grave pericolo.

Comunque è certo che buona parte del Teatro romano venne allora, un po’ per effetto del terremoto e un po’ per ragioni di sicurezza, rovinato e demolito e chi ne visita anche oggi con attenzione i resti vi scorge senza difficoltà gli effetti terribili di uno scuotimento del suolo che rimonta alla bellezza di mille anni circa.

Specialmente in un corridoio di sfogo nella parte già un tempo mediana del Teatro si vede ammassata una quantità di materiali ormai anneriti dal tempo e sopra di esse la massa quasi completa di un palco patrizio, in pietra come si usava all’epoca romana col nome inciso della famiglia cui apparteneva.

Tottochè dimezzate, interrotte, guaste, sovrapposte le rovine del teatro meritano una visita e rimangono là a far testimonianza dei grandiosi concepimenti artistici dei romani ed anche della orribile potenza dinamica del terremoto dell’anno 894 che segnò una data ben calamitosa nella storia di Verona.

***

Il successivo terremoto, di cui troviamo memoria nella cronaca del Moscardo accadde nel 1117. E anche questo fece grandissimi danni rovinando particolarmente il recinto dell’Anfiteatro (Arena) detto Ala.

Lo storico nota che nella medesima contingenza bruciò una gran parte del Palazzo della Ragione.

Del terremoto accaduto l’anno 1183, famoso per la storia per la pace conclusa a Costanza fra i rappresentanti le città della Lega e l’imperatore Federico Barbarossa, essendo podestà di Verona il conte Santo Sambonifacio, il Moscardo non fa parola.

Nel 1223 essendo podestà Rizzardo conte di Redondesco «nel giorno di Natale, nell’ora di terza seguì grande e spaventevole terremoto, il quale fece grandissimi danni con la rovina di moltissime case nella città e nel contado, e nella Valpolicella ruinò l’antico castello di Marano, già da Carlo Mario (?) fabbricato».

«L’anno 1348 il vigesimo quinto giorno di gennaio fu così estremo terremoto nella Lombardia che in Verona gettò a terra sette case».

«L’anno 1367 furono due terribili terremoti, per li quali precipitarono molte case, con la morte di alquante persone».

Nell’anno 1457 seguirono «così terribili terremoti che caderono per quasi tutta l’Italia edifizi e particolarmente un monte sopra Salò, discosto dal lago di Garda, s’abbassò nascondendosi gran arte nella terra».

Nel mese di gennaio del 1487 «si sentì grandissimo terremoto che ruinò e atterrò molte case nella città»-

Nell’anno 1491 sotto il reggimento di Marcantonio Morosini, «si sentì uno spaventevole terremoto, per il quale oltre la rovina di molte case, perirono in Verona molte persone».

Nell’anno 1505 «per alquanti giorni si sentirono terremoti; perciò in Verona non fecero danni di considerazione. Patì assai Bologna ove caderono molte case ed edifici».

«Il decimo quinto giorno di Gennaio dell’anno 1511 fu in Verona e territorio vento sì impetuoso che spiantò la maggior parte degli alberi e in Gardesana gran parte degli olivi».

In Verona cederono la maggior parte dei camini e a S. Leonardo gettò (sic) a terra tutto il dormitorio dei detti Padri (di S. Leonardo) e in altri luoghi causò infiniti danni.

***

Seguirono altri terremoti il 17 di febbraio dell’anno 1695 e nell’epoca nostra tutti ricordano i movimenti tellurici del 19 dicembre 1869, 27 maggio 1870, 23 settembre 1871, 29 giugno 1873, che tanto devastò il Bellunese, 19 dicembre 1885, 23 febbraio 1887 fatalissimo per la Liguria e finalmente quello del 7 giugno, non ancora finito a quanto pare.

 

QUI LA PRECEDENTE QUATTORDICESIMA PUNTATA: https://ildiapasonblog.wordpress.com/2020/03/11/terremoto-1891-quattordicesima-parte-arena-12-13-giugno-1891/

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

BARBIERO·MANERA·SARTORIS  “Woland”

BARBIERO·MANERA·SARTORIS  “Woland”

BARBIERO·MANERA·SARTORIS  “Woland”

Autoproduzione CD, 2020

di alessandro nobis

Franco Fayenz sostiene come lo stato della cultura non solo musicale in Italia non sia buono: Massimo Barbiero dice invece più lapidariamente che esso  “non è” (cit. intervista a “jazz Convention”); mi trovo d’accordo con il batterista compositore che da un bel po’ ha deciso di autoprodursi i propri lavori per essere del tutto indipendente dal mercato discografico, e anche questo “Woland: omaggio a Il Maestro e Margherita”, la sua più recente produzione, non sfugge dunque al Barbiero – pensiero (che accomuna comunque altri artisti, non solo di ambito jazzistico) proponendo un lavoro che si ispira a “Il Maestro e Margherita” di Michail Bulgakov in compagnia di Eloisa Manera (violino e violino a 5 corde) e del pianista Emanuele Sartoris autori rispettivamente di una e di quattro composizioni.

Onestamente devo confessare di non avere letto Bulgakov e quindi il mio approccio alla musica di Woland esula dall’interpretazione “filtrata” dalla conoscenza del volume ma, comunque sia, trovo “anche” queste incisioni molto interessanti a partire dalla formazione davvero inedita che combina in modo equilibrato i suoni delle percussioni, del violino e del pianoforte; l’ascolto poi rivela le diverse componenti della musica scritta e mi sembra di poter dire che al di là delle considerazioni sull’indiscutibile preparazione tecnica e dalla capacità di dialogo tra gli strumentisti, emergono a mio avviso in modo chiaro le diverse componenti che stanno alla base del progetto. Questo perché parlano lo stesso linguaggio facendo incontrare in modo del tutto aperto i loro background realizzando un amalgama chimicamente perfetto; non ho la competenza per addentrarmi in analisi musicologiche, tuttavia l’ascolto mi fa fatto scoprire i caratteri di certa musica classica del Novecento che pervade tutto il disco (l’introduzione e un richiamo alla tradizione classica – russa? – in “Hella” ad esempio), naturalmente il linguaggio del jazz (in “Woland” composta da Sartoris) e l’improvvisazione in “Margherita” di Barbiero con il dialogo tra l’autore ed Eloisa Manera. Superbi i tre movimenti della lunga “Suite dei tre Demoni” composta dalla violinista: la prima parte dove emergono il violino ed il pianoforte con un lungo frammento “libero”, una seconda introdotta dal pianoforte subito seguito da violino e dalla batteria con una brillante parte improvvisata, la terza dove il drumming di Barbiero trova largo spazio evidenziando tutta la creatività e la ricca tavolozza di suoni che talvolta incrocia i suono del violino e del pianoforte.

Un disco davvero interessante anche decontestualizzandolo dalla fonte primaria, quella di Bulgakov, un trio che sarebbe stato uno dei punti di forza della programmazione del Open Papyrus Jazz Festival di Ivrea annullato per l’epidemia di Coronavirus. Sarà ovviamente tra i protagonisti dello stesso Festival nella sua edizione translata e del quale il cartellone dovrà subire forzatamente qualche variazione, ma “Woland” ci sarà senz’altro.

www.massimobarbiero.com

 

 

 

 

ANDREA DEL FAVERO “Lungje, Po’”

ANDREA DEL FAVERO “Lungje, Po’”

ANDREA DEL FAVERO  “Lungje, Po’”

Folkest Libri. Pp. 257 + CD, 2019. € 20,00

di alessandro nobis

DEL FAVERO 1Datemi pure del “passatista”, ma avere tra le mani un volume interessante e ottimamente documentato come questo non mi fa rimpiangere per nulla lo scorrere  le pagine sullo schermo di un computer e nemmeno i vari asettici e-book, sempre che ne esistano sull’argomento. Non c’entra l’antico fascino di sfogliare le pagine cartacee c’entrano piuttosto la struttura del volume e la facilità di consultazione, e se a queste considerazioni aggiungo che “Lungje, Po’” può essere letto con grande piacere dagli specialisti e dal pubblico più ampio ecco che il libro di Andrea Del Favero, musicista e ricercatore friulano ben conosciuto nell’ambiente della musica popolare italiano, diventa una testimonianza importante delle tradizioni musicali friulane, “terra d’incontri e scontri dove etnie diverse convivono pacificamente da secoli” come è riportato sulla quarta di copertina del volume stampato a cura di FolkestLibri.

La prefazione di Angelo Floramo racconta bene il valore di questo volume lungamente atteso dal popolo del folk friulano, e gli aspetti descritti da Del Favero con grande competenza e con linguaggio sempre piacevole ci narrano delle tradizioni della sua terra, della loro riscoperta, degli strumenti e della loro storia, di quanti nei decenni hanno continuato a suonare, magari apportando qualche variazione come è giusto che sia, i repertori di una terra che ancora riesce a proteggere il suo passato culturale in un tempo nel quale l’omogeneizzazione culturale sta prendendo il sopravvento.

Per chi invece sa leggere uno spartito e di conseguenza sa suonare uno strumento, gli spartiti in coda al libro danno la possibilità di cimentarsi con il repertorio che parte dalla raccolta seicentesca di Giorgio Mainerio e arriva alla trascrizione dii brani raccolti “sul campo” curati da un altro studioso e musicista di area friulana, Dario Marusic.

Parte integrante del volume è il prezioso CD allegato che contiene 21 tracce di “field recordings” ascoltando le quali i musicisti e musicofili delle regioni limitrofe troveranno collegamenti con i repertori delle proprie aree di studio.

Libro importante, da leggere e da ascoltare.