SUONI RIEMERSI: JOHN HARTFORD “Steam Powered Aereo-Takes”

SUONI RIEMERSI: JOHN HARTFORD “Steam Powered Aereo-Takes”

SUONI RIEMERSI: JOHN HARTFORD “Steam Powered Aereo-Takes”

Rounder Records. CD, (1971), 2002

di alessandro nobis

Sono cinquant’anni che le straordinarie session di John Hartford, Vassar Clements, Tut Taylor e Norman Blake furono registrate: in parte vennero pubblicate nel ’71 in “Areo Plain” con la (prima) produzione di David Bromberg, alcune sono state perse ed una terza parte sono contenute in questo CD immesso sul mercato dalla Rounder in occasione del trentennale del “Disco Madre” e che contiene brani incisi tra il ritorno di Hartford a Nashville e la realizzazione di “Morning Bugle”. Qui troviamo brani che avrebbero dovuto essere su Aero-Plane, qualche “cut” di John  Hartford e qualche standard di bluegrass suonata dalla Aeroplane Band ed alle registrazioni parteciparono, oltre naturalmente ad Hartford, Norman Blake, Tut Taylor, Vassar Clements ed un efficacissimo e quadrato Randy Scruggs al contrabbasso.

Tra i brani più interessanti ci sono le rilettura di un brano di Jimmie Skinner (“Doin’ my time”) del quale segnalo una superlativa versione della Seldom Scene di Mike Auldridge, e di uno di Jimmie Davis (“Where the old red driver flows”) registrato nelle sessions prodotte da Bromberg e che qui ha l’onore di aprire il disco; gli altri brani sono tutte composizioni di John Hartford e di Tut Taylor, del primo ricordo “Dig a Hole” con un notevole arrangiamento vocale e lo splendido violino di Hartford (Clements qui non c’è) e soprattutto “Presbyterian Guitar” con Taylor alla mandola, Blake al mandolino, Clements al mandocello e Scruggs al contrabbasso, brano introspettivo del giugno del ’71 che esalta la bravura e l’interplay dei musicisti. In puro stile Hartford c’è infine “The Vamp From Back in the Goodie Days” con il violino che guida sull’appoggio del banjo, della chitarra e del dobro.

Non credo sia particolarmente difficile procurarsi questo CD, se avete già “Aero-Plain” questo è il suo il lavoro complementare, di grande bellezza e del notevole valore storico visto che già mezzo secolo è passato.

DALLA PICCIONAIA: Pádraig Ó Maoldomhnaigh (1938 – 2021)

DALLA PICCIONAIA: Pádraig Ó Maoldomhnaigh (1938 – 2021)

DALLA PICCIONAIA: – Pádraig Ó Maoldomhnaigh / Paddy Moiloney (1938 – 2021)

di alessandro nobis

Purtroppo Paddy Moloney se ne è andato l’11 ottobre, lasciando un enorme senso di tristezza in tutto l’ambiente della musica tradizionale non solo irlandese visti il grande rispetto e l’enorme popolarità che i Chieftains dalla metà degli anni settanta godettero in tutto il mondo. Affermare che il merito principale del piper dublinese è stato quello di esportare per primo, con il gruppo, il patrimonio tradizionale d’Irlanda è a mio avviso quantomeno riduttivo: Moloney è stato un piper ed un suonatore di tin whistle di grande livello ed ha saputo cercare e trovare nell’immenso repertorio del folk di tradizione orale e nei repertori a stampa gemme e tesori di grande valore.

Molti appassionati tra il quale chi scrive hanno conosciuto il suono delle uilleann pipes alla metà degli anni settanta quando il britannico Mike Oldfield lo invitò come unico ospite alle registrazioni del suo terzo album “Ommadawn”, molti altri conobbero invece la musica dei Chieftains attraverso uno dei capolavori cinematografici di Stanley Kubrick, “Barry Lyndon” dove la slow air “Women of Ireland”, presente già sul loro quarto album del ’73 (https://ildiapasonblog.wordpress.com/2020/12/23/suoni-riemersi-the-chieftains-4/)come la B-Side “Morning Dew”,  fu pubblicata su 45 giri anche in Italia. Fatto sta che il suono del gruppo, prima del lungo periodo di collaborazioni con musicisti di tutto il mondo, era davvero particolare per l’assenza di strumenti a plettro che invece erano la peculiarità e la novità della stragrande maggioranza delle band irlandesi di quegli anni.

La passione per la musica gli fu probabilmente trasmessa dalla nonna materna che viveva nella Contea di Laois, e come spessissimo accade in Irlanda il primo strumento che prese in mano fu il tin whistle anche la svolta nella sua vita musicale furono le lezioni che il grande Leo Rowsome gli impartì alla scuola di musica del Leinster; più migliorava il suo stile, più ascoltava anche gli altri maestri delle generazioni precedenti tra i quali ricordo solamente Seamus Ennis e Tommy Reck. Vivendo a Dublino entrò in contatto da giovanissimo, a ventidue anni, con un altro Maestro della tradizione irlandese, il compositore e clavicembalista Sean O’ Riada che lo volle nel suo gruppo che da lì a poco si trasformò nel Ceoltóirí Chualann, considerato da tutti l’ensemble che diede il via per primo allo studio ed alla riproposizione della musica irlandese in tutto il Paese.

Del Ceoltóirí Chualann facevano parte oltre naturalmente a Paddy Moloney, Martin Fay, Sean Potts e Michael Turbridy ovvero il nucleo dei futuri Chieftains, gruppo nato nel 1962 per un solo disco realizzato su richiesta della label dublinese – recentemente acquistata da una major – Claddagh Records (https://ildiapasonblog.wordpress.com/2020/02/05/suoni-riemersi-the-chieftains/), etichetta nella quale Moloney ebbe per qualche tempo anche un ruolo gestionale.

Resta il mio rammarico, ma credo di essere in ottima compagnia, che Paddy Moloney non abbia mai inciso un album di solo uilleann pipes, registrandone invece uno peraltro magnifico in compagnia di Sean Potts come duo di tin whistles (https://ildiapasonblog.wordpress.com/2021/09/24/suoni-riemersi-paddy-moloney-%c2%b7-sean-potts-tin-whistles/).

A dispetto delle intenzioni iniziali, i Chieftains sono rimasti attivi per sei decenni e le loro produzioni non sempre vennero giudicate positivamente dai puristi.

Ma questa è tutt’altra storia.

SUONI RIEMERSI: PLANXTY “Planxty”

SUONI RIEMERSI: PLANXTY “Planxty”

SUONI RIEMERSI: PLANXTY “Planxty”

Polydor Records. LP, 1973

di alessandro nobis

Il primo disco dei Planxty ha avuto nella storia del folk revival irlandese ma a mio avviso in quello dell’Europa Continentale un impatto decisivo, e questo per almeno un paio di ragioni: la prima per la cura e l’innovazione negli arrangiamenti che prevedevano l’utilizzo di strumenti e quindi di sonorità nuove per i cultori del folk irlandese più ortodosso come il bozouky e gli strumenti a plettro in generale e la seconda per la produzione di materiale nuovo scritto seguendo la tradizione portato da tutti i componenti ovvero Liam O’Flynn, Andy Irvine, Christy Moore e Donal Lunny ed a ciò aggiungo che il loro sguardo era rivolto anche altrove dalla cui tradizione pescheranno in seguito “gemme” riarrangiate con grande maestria provenienti dai repertori d’oltreoceano e balcanici.

All’autore dell’ottimo volume “The Humours of Planxty”, Leagues O’Toole (Hodder Headline Ireland, 2006), Liam O’Flynn racconta: “Il materiale del primo album fu il risultato dell’apporto che ognuno di noi mise sul tavolo. E molto materiale fu portato, che fu ben valutato e selezionato. Io portai quattro strumentali, Christy ed Andy portarono quattro canzoni ciascuno e Donal assunse le vesti di direttore artistico”. “Sì, lui ebbe quel ruolo” annuisce Andy; “lui e solo lui aveva la capacità di ascoltare il suono dell’intera band mentre suonava. Personalmente trovavo questo per me impossibile da fare, quando suonavo mi isolavo totalmente.”

Questo disco che si può definire iconico e seminale contiene brani che hanno sempre identificato i  Planxty come l’arrangiamento di “Raggle Taggle Gipsy”, brano dell’Irish Traveller John Reilly, o i due composti da Turlough O’Carolan ovvero “Planxty Irwin” e “Seabeg and Seemore” (una versione diversa rispetto a quella apparsa su 45giri) con uno splendido arrangiamento dove le pipes di O’Flynn suonano sopra gli intrecci dei plettri). Tra le ballate naturalmente voglio citare “The Blacksmith” a chiusura dell’album, l’antimilitarista “Arthur McBride” proveniente dalla Contea di Donegal con la voce solista di Irvine (ballata raccolta da P.W. Joyce ai primi del Novecento e che fa riferimento ai reclutamenti forzati per la Prima Guerra Mondiale) e “Sweet Thames” omaggio al grande Ewan McColl che la compose per una riduzione radiofonica di una versione londinese di “Giulietta e Romeo”.

Forse non il migliore lavoro in studio dei Planxty, personalmente sono molto affezionato a “The Woman I Loved so Well (https://ildiapasonblog.wordpress.com/2021/01/19/suoni-riemersi-planxty-the-woman-i-loved-so-well/) ma comunque di sicuro una pietra miliare del nuovo folk irlandese.

SUONI RIEMERSI: SANCTO IANNE “Scapulà”

SUONI RIEMERSI: SANCTO IANNE “Scapulà”

SUONI RIEMERSI: SANCTO IANNE “Scapulà”

Folk Club Ethnosuoni Dischi. CD, 2002

di alessandro nobis

Ho avuto la fortuna di assistere ad un paio di concerti di Sancto Ianne e quello che ricordo bene è la coesione dei suoni sospesi tra la modernità ed il patrimonio popolare e grande energia che trasmettevano al pubblico; a mio avviso uno dei migliori esempi di rilettura e di riproposizione della tradizione con una grande attenzione alle problematiche sociali della loro – e della nostra – terra. Scapulà fu il loro secondo disco e a vent’anni di distanza mantiene ancora la freschezza e l’attualità della loro musica, un peccato che dopo il terzo disco pubblicato quattro anni più tardi, “Mo siente” ed il seguente “Trase” (2013) il gruppo abbia fatto perdere le sue tracce, almeno dal punto di vista discografico.

Questo “Scapulà” è un disco che ti conquista in pochi secondi, la composizione originale che apre il disco la dice lunga sul progetto del gruppo beneventano, “’A Muntagna” parla per conto del Monte Tiburno che come tutte le montagne se potesse parlare, sulle vicende umane ne avrebbe di cose da raccontare osservate per millenni sempre in silenzio e la seguente “Paese Iastemmato”, altro originale, è una struggente ballata sul secolare fenomeno dell’emigrazione con la potente voce solista di Gianni Principe che affonda la lama nella ferita che ogni persona costretta a partire porta con sé per sempre: notevole l’arrangiamento dove il mandoloncello e la fisarmonica si incrociano a sostenere il racconto assieme all’incisivo basso elettrico. Tra la musica di derivazione popolare voglio segnalare “A Muntevergine”, straordinario ed antico canto che nella sua versione originale accompagna il cammino dei pellegrini verso il Santuario della Madonna di Montevergine e che, con la voce filtrata di Gianni Principe e le percussioni di Alfonso Coviello ci ricorda come ancor oggi in alcune aree sia ancora viva la tradizione legata al profano e in questo caso ai rituali religiosi e “Nun te ricuordi”, canto narrativo legato al rito della mietitura ma che, come in moltissimi canti tradizionali italiani ed europei, narra la vicenda umana di una ragazza che non trova marito.

Gianni Principe (voce e castagnette), Alfonso Coviello (percussioni), Ciro Maria Schettino (plettri), Gianni Cusani (basso), Sergio Napolitano (fisarmonica) e Raffaello Tiseo (violino) son i musicisti e compositori che diedero vita nel ’92 a questo progetto di caratura a mio avviso internazionale meritandosi con questo disco la segnalazione dell’autorevole rivista specializzata francese “Trad”.

Come è che si dice e che ci si augura, a volte ritornano ……….

SUONI RIEMERSI: PADDY MOLONEY · SEAN POTTS “Tin Whistles”

SUONI RIEMERSI: PADDY MOLONEY · SEAN POTTS “Tin Whistles”

SUONI RIEMERSI: PADDY MOLONEY · SEAN POTTS

“Tin Whistles”

Claddagh Records. LP, 1973

di alessandro nobis

Il tin whistle irlandese è lo strumento “propedeutico” a chi vuole affrontare le “uilleann pipes”, e questo lavoro del ’73 può essere considerato come una sorta di “libro sacro” di questo strumento dove la qualità della musica e l’abilità di Potts e Moloney raggiungono livelli probabilmente inarrivabili.

Qui i due Chieftains – tre se consideriamo l’apporto ritmico del bodhran di Peadar Mercier, con Il gruppo dal ’66 al ‘76 – compilano un’antologia della tradizione musicale irlandese che al primo ascolto può sembrare un poco ostico ma che invece ha il grande pregio di mettere a nudo il folk irlandese nella sua quintessenza e in modo scevro anche da i più semplici arrangiamenti, un ritorno alle origini a mio avviso, quasi alla sua probabile origine pastorale.

Ecco quindi la splendida “Julia Delaney” che apre la seconda facciata con il bodhran di Mercier, reel tramandato a Potts dallo zio Tommy, la melodia raccolta nel Connacht di “An Draighneàn” nella quale Moloney suona un tin whistle in Si bemolle, ci sono la slow air eseguita in solo dal piper dei Chieftain (“Seolaim Araon na Géanna Romhainn”) e la celebre “George Brabazon” di Turlogh O’Carolan – e come poteva mancare una composizione dell’arpista della quale i Chieftains propongono una versione live nel loro album dal vivo; un altro brano tramandato è “The Cock of the North Side” – abbinato a “The Ballyfin Slide”- , uno slide tramandato a Moloney dal nonno ed infine voglio segnalare un classico dei pipers, eseguito qui dai flauti diritti, ovvero il jig “The Hug of the Spinning Wheel”.

Non pensate di trovare qui freddi esercizi di stile o autoreferenzialità, qui ci sono “solamente” due straordinari musicisti chiusi in uno studio di registrazione dove la loro amicizia ed il loro rispetto reciproco hanno dato vita a questo importante manuale di altissimo livello del flauto diritto irlandese.

Imperdibile.

SUONI RIEMERSI: BLAKE · TAYLOR · BUSH · ROBINS · CLEMENTS · HOLLAND · BURNS

SUONI RIEMERSI: BLAKE · TAYLOR · BUSH · ROBINS · CLEMENTS · HOLLAND · BURNS

SUONI RIEMERSI: BLAKE · TAYLOR · BUSH · ROBINS · CLEMENTS · HOLLAND · BURNS

HDS Records. LP, 1974

di alessandro nobis

In tutti i linguaggi musicali ci sono dischi che indicano chiaramente nuovi percorsi, dischi concepiti e realizzati dalle menti più fervide e creative in grado di vedere “in avanti”, e per la musica tradizionale o che da questa prende origine voglio citare il leggendario triplo ellepì “Will The Circle Be Unbroken”, i lavori di David Grisman con il quintetto e con Jerry Garcia e naturalmente questa session registrata cinquanta anni fa da un combo di musicisti, alcuni fortemente legati al bluegrass, altri aperti a nuove strade per questo genere musicale ed uno straordinario jazzista (Dave Holland, naturalmente).

Vassar Clements e Jethro Burns arrangiano splendidamente una melodia, “Goin’ Home”, tratta dalla Sinfonia N° 9 di Antonin Dvorak che il violinista esegue in duo con Norman Blake (notevolissimo ed inedito il suo accompagnamento ritmico) – e qui abbiamo un primo esempio di vicinanza ad altre forme musicali per quanto influenzate da folklore americano – mentre il jazz fa capolino in “’A’ Train” di Billy Strayhorn (Vviolino e chitarra) e nell’improvvisazione che chiude la seconda facciata, il blues “Vassar & Dave” (e non poteva chiamarsi altrimenti) dove emerge l’impetuosa cavata di Holland e lo stile a-la Grappelli di Clements.

Oserei dire spettacolare l’esecuzione di Blake in solo di “Old Brown Case” e naturalmente i brani eseguiti dall’ensemble come “McKinley’s Blues” ed il successivo “Okonee” di Tut Taylor – la voce è naturalmente quella di Blake – fanno perfettamente immaginare l’atmosfera che si respirava durante questa session registrata a Nashville, un suono equilibrato dove gli strumenti si intersecano meravigliosamente e dove gli assoli tra le strofe sono delle autentiche gemme incastonate nel brano: quello di contrabbasso e di mandolino in “Okonee” e quelli di violino, mandolino di Burns e di dobro di Taylor con il contrabbasso e la chitarra che dettano il ritmo.

Disco assolutamente meraviglioso, tra folk americano, jazz e classica del Novecento. Se non è questo un capolavoro ditemi cosa lo è.

ALESSANDRO D’ALESSANDRO “Canzoni”

ALESSANDRO D’ALESSANDRO “Canzoni”

ALESSANDRO D’ALESSANDRO “Canzoni”

Squi[libri] Edizioni. CD, 2021

di alessandro nobis

Ci fu un tempo nel quale nelle vie, nelle piazze, nei mercati rionali o di paese violinisti, o per lo più fisarmonicisti e organettisti suonavano le arie più popolari della lirica, arie a danza ed i motivi più in voga per intrattenere il pubblico e, naturalmente, cercare di vendere qualche audiocassetta con le loro registrazioni per lo più artigianali (una pratica a dirla tutta molto più antica dell’era delle cassette, dai fogli volanti ottocenteschi fin giù ai suonatori ambulanti di secoli prima). Vero, l’ho presa “alla larga” ma Alessandro D’Alessandro, eccellente organettista sì legato alla musica popolare ma anche aperto a musiche “altre” ad un certo punto ha deciso di rivisitare, di risuonare e di riarrangiare canzoni che sono rimaste nell’immaginario collettivo per decenni attraverso la più pura canzone d’autore vicino a brani emersi da generi a questa attigui quasi fosse un suonatore ambulante “con tutte le positività del termine” del ventunesimo secolo assieme ad alcune delle migliori voci in circolazione. Alla seconda tipologia appartiene senz’altro la rilettura di “Campagna”, il brano simbolo di quello straordinario laboratorio musicale che fu “Napoli Centrale” e qui suonato con l’Orchestra Bottoni e la voce di Antonella Costanzo proposto come “Bonus Track”; della prima categoria segnalo senz’ombra di dubbio la ballad “Mario” del veneziano (di Burano) Pino Donaggio – classe 1941 – con la voce di Beppe Voltarelli, un brano che al di là dell’efficacia dell’arrangiamento merita menzione solamente per aver riportato l’autore veneziano alla memoria degli smemorati amanti della canzone d’autore, le rilettura strumentali di “I Giardini di Marzo” intelligentemente “irrorati” di elettronica, di “I Shot the Sheriff” di Bob Marley di “Azzurro” di Paolo Conte. Riletture mai calligrafiche se non nelle esposizioni dei temi che mettono in luce tutta la creatività e lucidità progettuale di D’Alessandro, ed a conferma di questo voglio citare anche il brano eseguito con Pietra Magoni e Ferruccio Spinetti, due che viaggiano sulla stessa lunghezza d’onda dell’organettista: “Quello che non voglio” di Fausto Mesolella e Stefano Benni.

Come dicevo l’ho presa alla larga ma spero che ci siamo capiti, questo è un  gran disco.

SUCCEDE A VERONA: MUSICHE AL TOCATÌ 2021

SUCCEDE A VERONA: MUSICHE AL TOCATÌ 2021

SUCCEDE A VERONA: MUSICHE AL TOCATÌ 2021 “16 ·17 ·18 settembre”

VERONA, CENTRO STORICO

di alessandro nobis

Anche quest’anno per la diciannovesima volta si rinnova a Verona la tradizione del Tocatì e delle musiche tradizionali italiane e dei Paesi ospiti: sarà un festival diffuso che avrà come scenari non solo i luoghi simbolo di Veronama anche e soprattutto spazi mai utilizzati prima come ville, cortili, musei, ed alcuni borghi storici italiani molti dei quali già riconosciuti come siti UNESCO e come tra quelli più belli d’Italia. Tutto naturalmente nel pieno rispetto delle norme sanitarie al quale l’Associazione Giochi Antichi – che ne è ideatore e organizzatore – ha lavorato per lunghi mesi al fine di rendere quanto più “normale” questo festival il cui fulcro è da sempre la partecipazione della gente nelle strade e nelle piazze della città. Per questa edizione de “Suoni lungo l’Adige” i concerti si terranno al Lungadige San Giorgio (nello spazio all’interno della struttura asburgica risalente al 1838) con l’esclusione dei due che verranno trasmessi in streaming per ovviare alle rigide norme sanitarie che, come detto, l’organizzazione intende rispettare in modo puntiglioso.

Il tema di questa edizione del festival è l’acqua, elemento che ha favorito in quanto ideale via di comunicazione gli scambi negli ambiti economici favorendo i contatti tra le varie culture popolari, e di conseguenza i gruppi musicali che parteciperanno hanno in comune musiche popolari legate all’acqua: l’Egeo, l’Adriatico e l’Atlantico.

Voglio sottolineare in particolare come quest’anno la particolare attenzione che l’Associazione Giochi Antichi ha avuto nel dare la possibilità di ascoltare la musica in un luogo raccolto, non troppo vicino al vociare delle centinaia di persone che frequentano il festival; le proposte sono di altro livello e di grande valore musicale ed è assolutamente giusto riservare alla musica “d’ascolto” uno spazio adeguato e quindi non necessariamente contestualizzata al ballo popolare. Certo, quest’anno ci sono le limitazioni sanitarie, ma le due “forme” potranno coesistere perfettamente nelle prossime edizioni: il ballo popolare nelle piazze, la musica d’ascolto di derivazione tradizionale nei numerosi spazi raccolti – luoghi di culto, di enti pubblici ma anche di privati – che il centro storico di Verona offre.

  • Si comincia giovedì 16 alle 21:30 con una festa, con una particolare versione de “La Notte Salentina” che grazie agli Amici del Salento di Verona presenta “Tremulaterra 3.0”, apprezzato trio di musica popolare del Salento, come è facile immaginare con il loro straordinario repertorio fatti di temi a danza sì ma anche di stornelli, canti polivocali alla “stisa” (canti polivocalici a cappella eseguiti soprattutto durante il lavoro, quando la voce si diffondeva e si “stendeva” appunto nei campi) e canti narrativi della tradizione: non una festa a ballo dunque, ma un repertorio da assaporare nel migliore dei modi con un attento ascolto.
  • Venerdì 17 si parte alle 21:00 con un quintetto vocale proveniente dalla Dalmazia dove la tradizione delle “Klapa” è ancora molto sentita e praticata; al Tocatì questa straordinaria forma vocale sarà portata dalla “Klapa Valdibora” di Rovinj (Rovigno) con i loro straordinariamente suggestivi canti che raccontano della vita e degli amori dei piccoli villaggi sulle coste adriatiche. Alle 21:30 il Gruppo Ricerca Danze Popolari presenterà al pubblico (che non potrà però partecipare al ballo) alcune danze popolari accompagnati dalle musiche del “Calicanto trio” che 22:00 terrà l’atteso concerto con una piccola formazione che vede il rinnovarsi della collaborazione tra Corrado Corradi, Roberto e Giancarlo Tombesi lungamente compagni dei Calicanto; presenteranno il ricco repertorio di canti della tradizione dell’Adriatico Settentrionale tra i quali quelli dei “battipali” lagunari. 
  • Sabato tre imperdibili appuntamenti con la cultura popolare: alle 21:30 con il gruppo cipriota “Ktima” con il loro repertorio fatto di secolari canzoni tradizionali che scandiscono il calendario con le feste pagane e le celebrazioni religiose che tracciano uno spaccato sulla vita dell’isola cipriota. Le voci sono accompagnate dal violino, strumento principe della musica tradizionale cipriota, dal laud e dalla tabouchia, un setaccio rivestito di pelle usato come tamburo a cornice. Queste canzoni e le “tsiattista”, poesie orali a braccio, sono iscritte nella lista del Patrimonio Culturale Immateriale Nazionale di Cipro. A chiusura una presenza che davvero può essere considerata uno dei fiori all’occhiello di questa edizione del Tocatì, ovvero il Baia Trio: provenienti dal Piemonte Occitano, hanno repertorio che va oltre quello delle valli alpine coprendo le tradizioni a partire dall’area delle 4 Province al Connemara irlandese, il tutto rivisitato con arrangiamenti di grande bellezza ed innovazione, come sta a dimostrare il loro lavoro “Coucahna” (https://ildiapasonblog.wordpress.com/2016/10/29/baia-trio-coucanha/)di qualche anno fa. Gabriele Ferrero (voce e violino), Enrico Negro (chitarra) e Francesco Busso (ghironda, uno degli strumenti classici delle valli occitane) sono senz’altro un ensemble in grado di offrire un “suono” che decontestualizzato al ballo si presta alla perfezione per un ascolto attento e approfondito di questa tradizione.

Da sottolineare poi la possibilità di seguire sulla pagine YOUTUBE del Tocatì e sulle pagine dei principali social gestite dal Festival tre esibizioni molto interessanti ed anche inediti per Verona ma purtroppo “da remoto” per le ben conosciute restrizioni sanitarie. Il primo riguarda il canto polifonico di tradizione bizantina legata alla liturgia greco-ortodossa proposto dall’ensemble cipriota “Romanos de Melodist” che prende il nome dal compositore siriano bizantino del V° secolo “Romano il Melode”, santo celebrato anche dalla Chiesa Cattolica il 1 di ottobre: canti monodici a cappella di grandissimo fascino e bellezza anche testuale, cantati in greco a divulgare il Verbo che sono Patrimonio Culturale Immateriale dell’Umanità. Il secondo ci porta sulle coste bretoni con i canti dei marinai proposti dall’ensemble femminile “Les Pirates” (audio qui: https://www.lesbordees.bzh/groupe-les-pirates/)ben conosciute nei festival dedicati a questo importante filone della musica tradizionale: fanno parte dell’associazione “Phare Ouest” che dal 1995 opera nel campo della conservazione, dello studio e nella divulgazione di questa tradizione organizzando un festival che ha particolarità – sogno di molti organizzatori – di non utilizzare impianti di amplificazioni e di proporre i concerti in situazioni ambientali ideali per apprezzare al meglio il suono naturale. A conclusione gli eccezionali trampolieri del Dipartimento delle Landes nella Francia Occidentale, “Echassiers de Landes”: questi “attrezzi” spesso messi in relazione solamente con il circo equestre o con le sfilate carnascialesche venivano originariamente utilizzati dai pastori per sorvegliare le greggi nel territorio pianeggiante che non offre alcun punto di vista dalla sommità di alture. Da questo loro uso si sono sviluppate poi danze tradizionali davvero particolari ed uniche al mondo; nel dipartimento sono presenti ben venti gruppi di questo tipo a testimoniare il grande interesse e passione verso questa secolare tradizione. 

SUONI RIEMERSI: NORMAN BLAKE · RED RECTOR “Norman Blake & Red Rector”

SUONI RIEMERSI: NORMAN BLAKE · RED RECTOR “Norman Blake & Red Rector”

NORMAN BLAKE ·RED RECTOR “Norman Blake & Red Rector”

County Records. LP, 1976

di alessandro nobis

Attribuito a Norman Blake ed al mandolinista del North Carolina Red Rector (1929 – 1990), questo ellepì si avvale anche della fondamentale opera della ritmica formata da Charlie Collins alla chitarra e da Roy Huskie Junior al contrabbasso, ed è l’unico lavoro di Blake pubblicato dalla County Records di Dave Freeman che nel 2018 ha chiuso i battenti. Le fonti dalle quali Blake e Rector hanno attinto per arrangiare i brani – nessuno è originale – ed inciderli in questo che resta dopo quasi mezzo secolo un meraviglioso lavoro, uno degli highlights della discografia di Norman Blake, sono numerose; alcuni brani sono classificati come “tradizionali” e quindi di autore sconosciuto, mentre altri sono stati registrati e composti in varie epoche da musicisti considerati “colonne” del folk americano. Immagino un lungo e certosino lavoro nella ricerca e trascrizione dei 78giri degli anni Venti e Trenta che fa di questo disco un doveroso e riuscito omaggio alle radici della musica americana. C’è “Denver Belle”, una fiddle tune del grande Kenny Baker, c’è “Darling Nellie Across the Sea” dal repertorio della seminale Carter Family (1929) e, sempre da quell’anno “Mississippi Sawyer” 78giri di esordio della string band – che suonava l’old time music – “The Hill Billies” e “Sweet Lorena” ballad cantata da Blake e scritta dai fratelli Henry e Joseph Webster con un bel solo di mandolino ed il preciso contrabbasso di Roy Huskie, lo splendido strumentale “Girl I Left Behind Me”, una dance tune con il perfetto alternarsi chitarra – mandolino, uno dei brani più significativi di questo album a mio avviso ed infine “Limehouse Blues” di Douglas Furber e Philip Braham suonato per la prima volta nel ’21 da Gertrude Lawrence e Jack Buchanam, con al solito strepitosi soli di Red Rector e Norman Blake.

Disco notevole, come detto uno dei più interessanti del chitarrista di Sulphur Springs che mette in luce anche il mandolinista Red Rector.

JOHN HARTFORD · NORMAN BLAKE · DAVE HOLLAND “Morning Bugle”

JOHN HARTFORD · NORMAN BLAKE · DAVE HOLLAND “Morning Bugle”

JOHN HARTFORD · NORMAN BLAKE · DAVE HOLLAND “Morning Bugle”

Warner Bros. Records. LP, 1974

di alessandro nobis. Thanks Tom Smith.

(From Google Translation) “One morning he calls my manager and says I was asked for sessions with American musicians who weren’t jazzmen. I confirmed my presence with great curiosity and I must confess that I rarely enjoyed myself so much in the recording room ”: these are the words of the double bass player Dave Holland who told me at the end of a solo concert in Verona at the Teatro Camploy. And in fact this joy of playing is clearly perceptible both when listening to this LP credited to John Hartford and the one recorded in the company of Vassar Clements, Norman Blake, Butch Robins, Sam Bush, Tut Taylor and Jethro Burns recorded in ’75 for HDS Records.

John Hartford, banjoist singer, violinist and guitarist who passed away in 2001 was undoubtedly one of the most fertile minds of the so-called alternative bluegrass, often out of the box, ironic and always surprising that was able to break the mold of an almost always self-referential and repetitive music. (“Aero plane” of 1971 and “Mark Twang” of ’76 are some of the most striking proofs of this) and if Hartford and Blake required the presence of a double bass player like Holland rather than that of one like Roy Huskey Jr. (a true and perfect metronome, playing companion of a certain Doc Watson but far from the world of Prog Bluegrass, ed) means that their minds were rather “open”. At that time the English bassist was working with Sam Rivers, Barry Altshul and Antony Braxton but in these “American” sessions all his technique and lyricism that I have always distinguished emerges: his interventions in “All Fall Down”, his regal accompaniment in “Street Car” his involvement in all the Hartford compositions and his “balance” the personalities of the banjoist / singer and Norman Blake are not an added value to the album but represent his total sharing with the ideas of Hartford that he had in my opinion a stroke of genius in involving David Holland in this extraordinary project. A wonderful work this “Morning Bugle” a dip in “American” music whose history and styles are filtered by the personality of Hartford, one of the greatest and unique talents of this alternative bluegrass whose disappearance has left in musician friends and his fans a great void.

There are no outtakes on this record, the musicians played in a circle looking straight in the eye, and this is the wonderful result of those sessions.