VARIOUS ARTISTS “Canterburied Sounds Volume 2”

VOICEPRINT RECORDS, CD 1989

Questo è il secondo volume che segue (https://ildiapasonblog.wordpress.com/2022/11/21/various-artists-canterburied-sounds-volume-1/) della serie “Canterburied Sound” pubblicata nel 1988 dall’inglese Voiceprint, una serie di registrazioni conservate da Brian Hopper e tutte contraddistinte dalle copertine disegnate da Leslie “papà Hopper”.

Come per gli altri volumi, le registrazioni non sono professionali, si tratta di demo tape e reharsal che Brian Hopper ha fortunatamente registrato · con un registratore nastri · e conservato: risalgono per lo più tra il 1962 ed 1970 ma alcune non riportano le date: detto questo tra le undici tracce ci sono delle preziose chicche come quelle che vedono protagonisti Robert Wyatt, ovvero una versione di “Instant Pussy” per la BBC, un frammento · purtroppo · di un’improvvisazione alla batteria ed una notevole “Love Song for Cello” (1963 · 1964) dove il batterista su diverse tracce suona il violoncello pizzicato e con l’archetto, la batteria e si produce nei suoi facilmente identificabili vocalizzi. Interessanti anche il brano di Mike Ratledge “Esther Nose’Job“, brano presente sul secondo disco dei S. M. e qui in una lunga versione demo risalente al gennaio 1969 e due brani dei Caravan (Sinclair · Sinclair · Hastings · Coughlan), ossia “As I Feel I Die” e la lunga “Where But For Caravan“, registrati sempre nel 1969 con la seconda, scritta da Brian Hopper e Pye Hastings, adattamento di una precedente composizione di Hopper. Infine non posso non citare, sempre a proposito dei Caravan, il brano che pre questo secondo volume, “Carazobe“, una session live con i Caravan e gli Zobe (Brian Hopper, Dave Lawrence, Frank Larner, Gordon Larner, Bob Gilleson e John Larner) durante un concerto del gennaio 1970 che vedeva protagonisti entrambi i gruppi.

Qualcuno probabilmente osserverà che questa serie di CD è solo per i “completisti” ma in realtà è ascoltando queste registrazioni che può comprendere in modo più completo le diverse sfaccettature musicali nate e sviluppatesi in quello che i più definiscono in modo forse semplicistico il “Canterbury Sound”.

Nel 2013 sempre la Voiceprint pubblicò i 4 CD in un cofanetto.

1. Carazobe (Caravan & Zobe)

2. Instant Pussy (Robert Wyatt)

3. Esther’s Nose Job (Soft Machine)

4. Moorish (Robert Wyatt · Brian Hopper)

5. Summertime (Mike Ratledge · Robert Wyatt)

6. Indian Rope Man (Zobe)

7. Drum Solo (Robert Wyatt)

8. Mirror for the Day (Pye Hastings)

9. Love Song with Cello (Robert Wyatt & others)

10. As I Feel I Die (Caravan)

11. Where But For Caravan (Caravan)

This is the second volume following (https://ildiapasonblog.wordpress.com/2022/11/21/various-artists-canterburied-sounds-volume-1/) of the “Canterburied Sound” series published in 1988 by the English Voiceprint , a series of recordings preserved by Brian Hopper and all bearing covers designed by Leslie Hopper, Hugh and Brian’s father.

As for the other volumes, the recordings are not professional, they are demo tapes and reharsals that Brian Hopper has fortunately recorded · with a tape recorder · and preserved: they date mostly between 1962 and 1970 but some are not dated: having said that among the eleven tracks there are some precious gems such as those starring Robert Wyatt, or a version of “Instant Pussy” for the BBC, a fragment · unfortunately · of a drum improvisation and a remarkable “Love Song for Cello ” (1963 · 1964) where the drummer on several tracks plays the cello pizzicato and with the bow, the drums and produces his easily identifiable vocals. Also interesting are Mike Ratledge’s song “Esther Nose’Job”, a song featured on S.M.’s second album and here in a long demo version dating back to January 1969 and two songs by Caravan (Sinclair · Sinclair · Hastings · Coughlan), “As I Feel I Die” and the long “Where But For Caravan”, also recorded in 1969 with the second, written by Brian Hopper and Pye Hastings, theat is an adaptation of a previous composition by Hopper. Finally, always with regard to Caravan, I cannot fail to mention the song that precedes this second volume, “Carazobe”, a live session with Caravan and Zobe (Brian Hopper, Dave Lawrence, Frank Larner, Gordon Larner, Bob Gilleson and John Larner) during a January 1970 concert featuring both groups.

Someone will probably observe that this series of CDs is only for the “completists” but in reality it is by listening to these recordings that one can more fully understand the different musical facets born and developed in what most define in a perhaps simplistic way the “Canterbury Sound “.

In 2013, Voiceprint released the 4 CDs in a box set.

YES “Beyond and Before: The BBC Recordings 1969 · 1970”

Purple Pyramid Records. 2CD, 2022

di alessandro nobis

Dal 1997 al 2019 si contano oltre venti ristampe di questo doppio CD: etichette diverse, copertine diverse, titoli diversi, in versione cd ma anche di doppio ellepì (Purple Pyramid,2019, Music on Vinyl, 2011 o Get Back, 2014). Si tratta di registrazioni effettuate tra il 1969 ed il 1970 per la BBC (con due eccezioni) dalla band al tempo formata da Bill Bruford alla batteria, Chris Squire al basso, Jon Anderson alla voce, Peter Banks alla chitarra e Tony Kaye alle tastiere, la prima line·up degli YES quindi a mio avviso un po’ sottovalutata rispetto a quella successiva con la produzione contraddistinta dalla grafica del geniale Roger Dean.

Brani originali e interpretazioni di altri autori si alternano nei due dischi e la qualità audio è a mio avviso più che discreta se paragonata ai bootleg venduti intorno al 1970; di particolare interesse sono il brano che apre il primo CD, ovvero “Something’ Coming” tratto da “West Side Story” di Leonard Bernstein (con il testo di Stephen Sondheim) del quale sottolineo il “drumming” swingante di Bill Bruford così legato a quello di Buddy Rich e l’interessante rilettura del brano beatlesiano “Every Little Girl” con citazione di “Day Tripper” ed un efficace solo “hard” di Peter Banks. Tra i brani originali la versione live di “Then” con l’incipit dell’hammond di Tony Kaye, “Sweet Dreams” e “Dear Father” sono quelli che lasciano più di altri intravedere il sound degli Yes che verrà.

Quindi esistevano eccome gli Yes prima di “Fragile“, eccome se esistevano! “Yes Album” e “Time and a Word” sono due album che vanno riascoltati con attenzione, solitamente poco considerati da critica e pubblico ammaliati dagli Yes con le grafiche di Roger Dean e l’apporto di Steve Howe e Rick Wakeman; nei due citati album ed in queste registrazioni si ascolta una musica a mio parere più essenziale addirittura vicina a certo jazz rock dell’epoca (cito ancora “Every Little Thing” del ’69 per esempio), piuttosto lontana dalla talvolta eccessiva autoreferenzialità della produzione seguente.

Mi chiedo se esista una versione ufficiale di queste preziose registrazioni. Ma non credo esista …

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From 1997 to 2019 there have been over twenty reissues of this double CD: different labels, different covers, different titles, in CD version but also in double LP version (Purple Pyramid, 2019, Music on Vinyl, 2011 or Get Back, 2014). These are recordings made between 1969 and 1970 for the BBC (with two exceptions) by the band at the time formed by Bill Bruford on drums, Chris Squire on bass, Jon Anderson on vocals, Peter Banks on guitar and Tony Kaye on keyboards. the first line · up of YES therefore in my opinion a little underrated compared to the following one with the production characterized by the graphics of the brilliant Roger Dean.

Original songs and interpretations by other authors alternate on the two discs and the audio quality is, in my opinion, more than fair if compared to the bootlegs sold around 1970; of particular interest are the passage that opens the first CD, namely “Something’ Coming” taken from “West Side Story” by Leonard Bernstein (with text by Stephen Sondheim) of which I underline the swinging “drumming” of Bill Bruford so linked to that of Buddy Rich and the interesting reinterpretation of the Beatles song “Every Little Girl” with a quote from “Day Tripper” and an effective “hard” solo by Peter Banks. Among the original songs the live version of “Then” with Tony Kaye’s hammond incipit, “Sweet Dreams” and “Dear Father” are the ones that more than others let you glimpse the Yes sound to come.

So Yes did exist before “Fragile”, yes they existed! “Yes Album” and “Time and a Word” are two albums that must be listened to carefully, usually little considered by critics and audiences enthralled by Yes with graphics by Roger Dean and the contribution of Steve Howe and Rick Wakeman; in the two aforementioned albums and in these recordings we hear a music that is in my opinion more essential, even close to a certain jazz rock of the time (I’m still quoting “Every Little Thing” from ’69 for example), rather far from the sometimes excessive self-referentiality of the following production .

I wonder if there is an official version of these precious recordings. But I don’t think it exists…

TRACK LIST:

A.1 – SOMETHING’S COMING (BERNSTEIN · SONDHEIM) – Album: YES 1969 (CD ED.NE DE LUXE – Bonus Track) – TOP GEAR 12 · 1 · 69

A.2 – EVERYDAYS (STEPHEN STILLS) – ALBUM: TIME AND A WORD 1970 – TOP GEAR 12 · 1 · 69

A.3 – SWEETNESS (ANDERSON·SQUIRE·BAILEY) – ALBUM: YES 1969 – TOP GEAR 12 · 1 · 69

A.4 – DEAR FATHER (ANDERSON·SQUIRE) – ALBUM: YESTERDAYS ANTOLOGIA 1975 – TOP GEAR 12 · 1 · 69

A.5 – EVERY LITTLE THING (LENNON · McCARTNEY) – ALBUM: YES 1969 – TOP GEAR 12 · 1 · 69

A.6 – LOOKING AROUND (ANDERSON · SQUIRE) – ALBUM: YES 1969 – DAVE SYMONDS SHOW 4 · 8 · 69

A.7 – SWEET DREAMS (ANDERSON · FOSTER) – ALBUM: TIME AND A WORD 1970 – DAVE TRAVIS SHOW 19 · 1 · 70

A.8 – THEN (ANDERSON) – ALBUM: TIME AND A WORD 1970 – GERMAN BROADCAST

A.9 – NO OPPORTUNITY NECESSARY ……. (R. HAVENS) – ALBUM: TIME AND A WORD 1970 – LIVE ON SUNDAY SHOW 17 · 3 · 70

B.1 – ASTRAL TRAVELLER (ANDERSON) – ALBUM: TIME AND A WORD 1970 – LIVE ON SUNDAY SHOW 17 · 3 · 70

B.2 – THEN (ANDERSON) – ALBUM: TIME AND A WORD 1970 – LIVE ON SUNDAY SHOW 17 · 3 · 70

B.3 – EVERY LITTLE THING (LENNON · McCARTNEY) – ALBUM: YES 1969 – LIVE ON SUNDAY SHOW 17 · 3 · 70

B.4 – EVERYDAYS (STEPHEN STILLS) – ALBUM: TIME AND A WORD 1970 – LIVE ON SUNDAY SHOW 17 · 3 · 70

B.5 – FOR EVERYONE (ANDERSON · SQUIRE) – LIVE ON SUNDAY SHOW 17 · 3 · 70

BONUS TRACK

B.6 – (INTRO) SWEETNESS (ANDERSON·SQUIRE·BAILEY) – ALBUM: YES 1969 – JOHNNY WALKER 14 · 6 · 69

B.7 – SOMETHING’S COMING (BERNSTEIN · SONDHEIM) – ALBUM: YES 1969 (Bonus Track) De Luxe Edition – TOP GEAR 23 · 2 · 69

B.8 – SWEET DREAMS (ANDERSON · FOSTER) – ALBUM: TIME AND A WORD 1970 – TOP GEAR 23 · 2 · 69

B.9 – BEYOND & BEFORE (SQUIRE · BAILEY) – ALBUM: YES 1969 – RARE FRENCH BROADCAST

COREA · BRAXTON · ALTSCHUL · HOLLAND “Early Circle”

Blue Note Records. CD, 1992 (rec. 1970)

di alessandro nobis

Qualche mese prima della loro tourneè europea testimoniata dal doppio disco “Paris Concert” pubblicato dall’ECM nel 1972 (il concerto a Parigi del 21 febbraio all’auditorium della O.R.T.F) Chick Corea, Barry Altschul, Dave Holland ed Anthony Braxton entrano in uno studio newyorkese per registrare una decina di brani pubblicati nel 1992 con il titolo piuttosto emblematico di “Early Circle“, quasi a puntualizzare che cosa era successo musicalmente prima del doppio ECM, una delle pubblicazioni più interessanti di sempre dell’etichetta di Manfred Eicher. La musica di Circle va inquadrata nel jazz più di avanguardia ed innovativa del tempo, più vicina al mondo dell’improvvisazione ed al jazz europeo segnata dalla parziale uscita dalle reinterpretazioni di standard · nel doppio c’è una splendida versione di “Nefertiti” di Wayne Shorter · e dalla ricerca di una via diversa nell’interplay che pur lasciando ampia libertà di azione ai musicisti pone comunque dei punti di incontro tra le linee suonate dagli stessi anticipando in qualche modo i tempi di una nuova fase del jazz; musica che ottenne grandi consensi dalla critica specializzata ma talvolta non dal pubblico che si aspettava naturalmente un jazz più vicino al mainstream ma, lo abbiamo imparato in seguito, se sul palco ci sono due come Altschul e Braxton non ti puoi aspettare standards eseguiti in modo canonico, ed anche di Holland e del Corea di quegli anni possiamo, credo, fare la stessa considerazione.

L’unico brano in comune con il doppio ECM è “73° – A KELVIN” scritta da Anthony Braxton, allora solo ventiseienne, affascinante per la scrittura del sassofonista così vicina alla musica contemporanea che anticipava il suo percorso negli anni successivi, e molto interessanti le tracce dove Holland è impegnato alla chitarra acustica: mi riferisco ad esempio a “Chimes I” e l’introspettivo e magico “Ballad” dove apre il brano nel quale poi intervengono il pianoforte ed il flauto di Braxton. Holland è anche ottimo violoncellista, e lo ascolta in “Chimes II” aperta dalle percussioni di Corea e dal pianoforte sulle quali il soprano e il violoncello in piena libertà (a me così pare) ricamano assoli che sembrano non guardarsi ma che invece sono caratterizzati da un efficace interplay.

Disco che a mio avviso è assolutamente complementare al già citato doppio, da cercare assolutamente.

A few months before their European tour witnessed by the double disc "Paris Concert" published by ECM in 1972 (the concert in Paris on February 21 at the O.R.T.F auditorium) Chick Corea, Barry Altschul, Dave Holland and Anthony Braxton enter in a New York studio to record a dozen songs published in 1992 with the rather emblematic title of "Early Circle", as if to point out what had happened musically before the double ECM, one of the most interesting releases ever of the label by Manfred Eicher. Circle's music should be framed in the most avant-garde and innovative jazz of the time, closer to the world of improvisation and to European jazz marked by the partial exit from standard reinterpretations · in the double there is a splendid version of Wayne's "Nefertiti" Shorter · and from the search for a different way in the interplay which, while leaving ample freedom of action to the musicians, nonetheless establishes meeting points between the lines played by them, somehow anticipating the times of a new phase of jazz; music that got great acclaim from the specialized critics but sometimes not from the public who naturally expected a jazz closer to the mainstream but, we learned later, if there are two on stage like Altschul and Braxton you can't expect standards performed in a canonical way , and also of Holland and Korea of those years we can, I believe, make the same consideration.

The only song in common with the double ECM is "73° - A KELVIN" written by Anthony Braxton, then only twenty-six years old, fascinating for the saxophonist's writing so close to contemporary music that anticipated his path in the following years, and very interesting the tracks where Holland plays the acoustic guitar: I'm referring for example to "Chimes I" and the introspective and magical "Ballad" where he opens the piece in which Braxton's piano and flute then intervene. Holland is also an excellent cellist, and he listens to him in "Chimes II" opened by Korea's percussions and piano on which the soprano and cello in full freedom (so it seems to me) embroider solos that seem not to look at each other but which instead are characterized by an effective interplay.

Disc which in my opinion is absolutely complementary to the aforementioned double, to be sought absolutely.

OREGON “Our First Record”

Reg. 1970. (LP. Vanguard Records, 1980)

di alessandro nobis

I nastri con questi quarantotto minuti di musica sono rimasti in un cassetto per dieci anni, a causa della chiusura della Increase Records per la quale Ralph Towner, Glen Moore, Colin Zalcott e Paul McCaldless avevano registrato le tredici tracce. Un vero peccato visto la qualità della musica ma alla fine dobbiamo ringraziare la Vanguard che li pubblicò grazie a Tom Round che aveva conservato i nastri con grande cura. Non si tratta di scarti di registrazioni, “second takes” o “alternative takes”, ma di un vero e proprio lavoro pensato ed eseguito con l’intenzione di pubblicarlo a nome “Oregon”, un disco che rappresenta l’origine di un gruppo che attraverso i suoi lavori per la Vanguard, l’ECM e l’Elektra ha indicato un nuovo modo di suonare il jazz contaminandolo con i suoi etnici creando una musica di “fusione” ante·litteram (parliamo di cinquantadue anni fa) rimasta a mio avviso ineguagliata anche se soprattutto dopo la scomparsa di Walcott alcuni suoni prettamente etnici come quello del sitar non saranno più presenti.

In questo loro primo disco, tra brani di composizione e di improvvisazione (“Molecular“), se ne nasconde uno a mio avviso davvero straordinario: si tratta di un arrangiamento curato da Towner di “Recuerdos · de la Alhambra ·” una composizione dello spagnolo Francisco de Asís Tárrega y Eixea vissuto tra il 1852 ed il 1909, un autore molto importante per chi affronta gli studi di chitarra classica (bagaglio fondamentale nella preparazione di Towner) se si considera anche che il brano fu registrato da Andres Segovia e più recentemente da Enrike Solinis. Qui l’apertura è lasciata a Moore che precede il suono della chitarra che esegue un solo sul quale si innesta l’oboe di McCandless con l’accompagnamento ritmico “discreto” delle percussioni: sontuoso direi, dimostrazione di come gli spartiti considerati “intoccabili” possano prendere una forma diversa, inaspettata quasi.

“Full Circle” (scritto da Walcott e Towner) è un’altra dimostrazione del concetto “Oregon”, il sitar di Walcott duetta per tutta la lunghezza del brano con la chitarra classica, “Margueritte” di Walcott ha un’atmosfera prettamente jazzistica con un assolo di Towner al pianoforte ed infine segnalo l’interpretazione di un brano composto dal grande Scott LaFaro (un altro che ci ha lasciato troppo prematuramente), “Jade Vision” (era nel repertorio del trio di Bill Evans, a proposito di perdite premature …), splendida ballad con soli di McCandless e Towner e naturalmente aperta dal contrabbasso di Glen Moore.

Splendido esordio di un gruppo che personalmente ho, direi senza esagerare, adorato e che ho avuto la fortuna di vedere dal vivo a Verona nella formazione con Trilok Gurtu.

Cercatelo.

COLOSSEUM “The Grass is Greener”

ABC DUNHILL Records. LP, 1970

di alessandro nobis

“The grass is greener” ovvero “una copertina per due dischi” verrebbe da dire per il terzo album pubblicato per il mercato americano nel 1970 diventato già nel ’70 oggetto di collezionismo in Europa, dove pochissimi ebbero l’occasione di acquistarlo sul mercato d’importazione come si chiamava mezzo secolo fa (personalmente, questa versione non l’ho mai vista!). Altri gruppi dell’epoca come i Van Der Graaf Generator o i Gentle Giant pubblicarono dischi con copertine diverse (“H to He Who am The Only One” e “Octopus” rispettivamente) ma i Colosseum seppero fare di meglio utilizzando la copertina del precedente “Valentyne Suite” virandola leggermente al blue e cambiandone anche il font delle scritte; giusto quel poco per farne un rompicapo capace di far dannare i non pochi fans dell’epoca (ora si chiamerebbero followers) della straordinaria band di John Hiseman & C; band che seppe mescolare con equilibrio ed eleganza il blues elettrico, il rock ed il jazz ma che fu erroneamente spesso collegata alla corrente che molti chiamano “progressive”, un termine a mio avviso senza alcun significato tanto meno se accostato al suono dei Colosseum.

Ma andiamo con ordine: l’unico brano che hanno in comune i due album è “Elegy”, mentre altri tre (“Betty’s Blues”, “The Machine Demands a Sacrifice” aperta dal flauto di H.S. e dal basso di Tony Reeves e lo splendido brano eponimo introdotto dai sassofoni, con un bel solo di basso ed una davvero notevole parte di chitarra) presentano una versione differente rispetto a “Valentyne Suite” con il chitarrista Clem Clempson anche come voce solista in sostituzione di Litherland che nel frattempo aveva lasciato il gruppo diventando quindi una chicca preziosa per gli appassionati dei Colosseum visto il suono più legato al blues elettrico di Clempson che caratterizzerà l’ultima fase di vita della band. Il nuovo missaggio risale al ’69 durante il quale vennero registrati anche i quattro brani inediti: due diventarono cavalli di battaglia dei concerti, e mi riferisco in particolare al blues scritto da Jack Bruce e Pete Brown “Rope Ladder to the Moon” con un bell’arrangiamento per la marimba ed a “Lost Angeles” scritta a quattro mani da Greenslade ed Heckstall – Smith, una versione che in questo lavoro ha la durata di cinque minuti e mezzo ma che nelle esibizioni dal vivo supera il quarto d’ora grazie all’immaginifica introduzione dell’Hammond di Dave Greenslade. Gli altri due brani inediti sono un arrangiamento del “Bolero” di Maurice Ravel (personalmente lo ritengo il brano più debole, non mi sono mai piaciuti gli arrangiamenti rock di brani classici, lo devo dire) ed una bella composizione di Mike Taylor e Dave Tolin, “Jumpin’ Off the Sun” introdotta dalle campane tubolari di Hiseman e con significativo assolo di chitarra.

A fare un po’ d’ordine ci ha pensato nel 2002 la Sanctuary Records pubblicato un doppio CD che contiene sia “Valentyne Suite” che “The Grass is Greener” con due inediti (“Arthur’s Moustache” e “Lost Angeles” provenienti dalla trasmissione Top Gear re mandati in onda il 22 novembre del 1969.

SUONI RIEMERSI: GRATEFUL DEAD “American Beauty”

Warner Bros. Records. LP, 1970

di alessandro nobis

“American Beauty”, pubblicato nel 1970, è a mio avviso uno dei più significativi dischi dei Grateful Dead assieme al coevo “Workingman’s Dead” (https://ildiapasonblog.wordpress.com/2020/08/30/grateful-dead-workingmans-dead-50th-anniversary-edition/) per il suono elettroacustico e soprattutto per l’evidente forte legame con il folk americano d’autore. Gli arrangiamenti delle parti vocali sono splendidi, i brani, quasi tutti originali, saranno suonati dal vivo con lunghissime improvvisazioni, caratteristica questa che ha da sempre contraddistinto i concerti dei Dead. American Beauty”, e questa è una novità, non è solamente un lavoro della band di Garcia & C. ma ospita alcuni eccellenti musicisti della Bay Area alcuni dei quali coinvolti nella riproposta in una versione più moderna e quindi meno ortodossa della tradizione: tra questi Dave Torbert, David Nelson, David Grisman e Howard Wales, e non è un caso se i primi due, assieme a Garcia, Lesh e Hart daranno origine ai New Riders of the Purple Sage, una sorta di avventura parallela “roots”, almeno per i primi due album, al gruppo madre dei Dead. Il mandolinista Grisman da un apporto importante a “Friend of the Devil”, brano quasi sempre presente nei set acustici dal vivo, Torbert e Nelson in una delle composizioni più conosciute dei Dead, “Box Of Rain” che apre il disco (con il testo di Robert Hunter), “Candy Man”, un’altra delle hit dei Grateful Dead (ma anche dei “cugini” Hot Tuna di Jorma Kaukonen e Jack Casady), ci riporta alle tradizioni della musica americana (e qui c’è Howard Wales all’hammond) e “Ripple” è una delicatissima ballata scritta dalla coppia Garcia / Hunter.

I Grateful Dead aprirono il decennio dei Settanta con due capolavori, questo e “Workingman’s”, con la formazione a sette (Ron McKernan sarà della partita fino al ’73, anno della sua dipartita) a mio giudizio il loro periodo più significativo almeno per ciò che concerne, come detto, le registrazioni in studio. Dal vivo, come ben si sa, il livello dei concerti si manterrà altissimo fino al loro scioglimento nel 1995: i Dead, senza Jerry Garcia, non avrebbero più avuto motivo di continuare.

Nel cofanetto “The Golden Road 1965 – 1973” pubblicato nel 2001 sono stati inseriti otto inediti tra cui sei dal vivo mentre nella versione del 2020 a celebrazione del cinquantennale sono presenti due CD che riportano il concerto del 18 febbraio 1971 al Capitol Theatre di Port Chester, New York.

COLOSSEUM “Lost Angeles · Live in Bremen 20 · 11 · 1970”

SUONI RIEMERSI: COLOSSEUM “Lost Angeles · Live in Bremen 20 · 11 · 1970”

Bootleg. LP, 1997

di alessandro nobis

Negli anni Settanta avevamo così fame di musica dal vivo su disco che qualsiasi “bootleg”, con vinile di qualsiasi qualità ed altrettanto qualsiasi qualità di registrazione riusciva a sfamarci. Pertanto rimasi colpito quando trovai in un negozio veronese, e questo parecchi anni or sono e quindi in piena era compact disc, questo ellepì dei Colosseum di Jon Hiseman che mi ricordò per filo e per segno, anche per l’etichetta totalmente bianca, quei “bootlegs” quasi inascoltabili. Qui comunque la qualità è decisamente decente per i parametri di mezzo secolo fa, e appena sufficiente per quelli odierni dove spesso purtroppo conta di più la qualità della registrazione che quella della musica.

Siamo nel novembre del 1970 a Brema quattro mesi prima della registrazione del loro leggendario doppio ellepì “Live” (18 e 27 marzo del ’71) per un concerto organizzato e presumo anche trasmesso all’epoca dalla benemerita emittente “Radio Bremen” che ogni tanto pubblica qualche sua registrazione (Nucleus, Clannad e Planxty per fare tre esempio); i Colosseum sono qui nella loro migliore line-up, quella con Chris Farlowe per capirci, ed il disco propone quattro brani, due tratti da “Daughter of Time”, uno da “The Grass is Greener” e “Tanglewood ‘63” presente sul già citato doppio. Una facciata riporta la registrazione dell’immancabile “Lost Angeles” in una proto-versione aperta da Dave Greenslade al vibrafono e “Tanglewood ‘63” con uno splendido assolo di organo e con la ritmica Hiseman – Clarke che introduce il lungo e brillante “solo” di Heckstall-Smith al tenore al quale aggiunge il soprano in pieno stile “Roland-Kirk”, quindi con il doppio sassofono. L’altra facciata, sembrerebbe la prima, contiene come detto due brani di “Daughter of Time”, album coevo a questo concerto; “Downhill and Shadows” è uno slow blues composto da Hiseman, Clempson e Tony Reeves – il primo bassista della band – con un efficacissimo assolo di chitarra ed una interessante improvvisazione dove si intrecciano tutti i componenti del sestetto e che chiude sul riff di “Spoonful” di Willie Dixon, e “Take me Back to Doomsday” di Greenslade, Hiseman e Clempson è una ballad aperta dal pianoforte e si contraddistingue per gli assoli del bravissimo Heckstall-Smith e di Clem Clempson. Performance davvero notevole, registrazione non perfetta ma, come dicevo sopra, quello che conta è la sostanza, e qui ce n’è davvero tanta.

Una curiosità: la copertina riporta un ritratto del gruppo, ma manca uno dei componenti.

COLOSSEUM “Ruisrock Festival, 1970 August 22”

COLOSSEUM “Ruisrock Festival, 1970 August 22”

Voiceprint Records. CD, 2018

di alessandro nobis

Anche se qui non c’è il “Dream Team” al completo del leggendario doppio ellepì live del ‘71 (qui il chitarrista Clem Clempson è la voce solista, Chris Farlowe entrerà nella band pochi mesi dopo questo tour europeo), l’energia di John Hiseman e compagni è ai livelli più alti, le versioni dal vivo dei brani lasciamo ampio margine di libertà all’indiscussa classe del quintetto che nei pochissimi anni di vita ha saputo disegnare un percorso che partendo dalle idee di Graham Bond si è arricchito soprattutto nella dimensione live di un rock poderoso con le radici nel British Blues ed i rami più lunghi verso atmosfere più raffinate e colte con aperture anche al jazz che in quegli anni in Inghilterra viveva momenti di straordinaria creatività.

Questo CD della Voiceprint restituisce il set dei Colosseum alla prima edizione del festival finnico di Ruisrock (vi parteciparono tra gli altri gruppi locali anche i Family) con un repertorio che include alcuni dei loro brani più significativi come “Walking in the Park”scritta da Graham Bond che chiude il disco, i due tratti da “The Grass is Greener” versione americana di Valentyne Suite ovvero “Rope Ladder to the Moon” e “Lost Angeles”. La prima con un brillante solo di Heckstall-Smith con due sax (lo stile di Roland Kirk, suo idolo) la seconda introdotta dal vibrafono di Dave Greenslade e con la chitarra di Clem Clempson in gran spolvero supportato dal basso di Mark Clarke, e il lungo assolo al cambio di tempo la dice lunga su quanto questo chitarrista sia stato sottostimato; intriso di blues e di jazz il solo di Greenslade all’organo hammond e straordinario per la poliritmia e l’energia quello di John Hiseman in “The Machine Demands a Sacrifice”, una delle parti di “Valentyne Suite” tratta dall’omonimo album dei Colosseum, senz’altro quello più conosciuto.

Registrazione più che accettabile, di questo album ne esiste anche una stampa curata dalla Tiger Bay Records.

Disco interessante, fa capire l’evoluzione che avrà la band con l’ingresso di Chris Farlowe che lascerà un maggiore e più adeguato spazio a Clempson ed alla sua chitarra.

HOT TUNA “Live at New Orleans House, Berkeley”

HOT TUNA “Live at New Orleans House, Berkeley”

RCA Records. lp, 1970

di alessandro nobis

Ci sono dischi che segnano il tuo percorso musicale deviandolo verso altre direzioni spesso inaspettate e questo primo disco degli Hot Tuna è stato per me – assieme a “Oh so good’n blues” di Taj Mahal – un punto di ripartenza dopo averli ascoltati entrambi, un pomeriggio d’inverno, a casa di un amico. Vero, avevamo quindici anni, ma la curiosità era già tanta verso la musica americana, soprattutto acustica, soprattutto se intrisa del blues più arcaico: altro non ci interessava, la chitarra di Jorma Kaukonen e per me l’irraggiungibile funambolico basso elettrico di Jack Casady erano ad un livello stratosferico, e la musica del “Tonno Caldo” da quel giorno non l’ho più abbandonata. Ero già un fan dei Jefferson Airplane, ed i blues proposti da Kaukonen erano i brani da me preferiti ma qui il repertorio era acustico, un omaggio a quelli che poi avrei scoperto essere alcuni dei monumenti del blues acustico: Reverend Gary Davis (“Death Don’t Have no Mercy” e “Oh Lord, Search my Heart”), Leroy Carr (“How Long Blues”) ma anche Jelly Roll Morton (“Dont’ you Leave me here”) musicisti dei quali avrei approfondito la conoscenza più tardi, e da questo ellepì a “Traditional Blues” di Brownie McGhee il passo fu più che breve.

Registrato tra il 16 ed il 24 settembre del 1969 a Berlekey alla New Orleans House, rappresenta l’esordio appunto degli Hot Tuna, costola degli Airplane come per poco tempo lo furono i New Riders of the Purple Sage per i Grateful Dead, una costola blues i cui semi sono sparsi in tutte le registrazioni in studio, ben distinti dalle composizioni di Paul Kantner, Marty Balin e Grace Slick naturalmente.

Kaukonen e Casady naturalmente, ma anche la splendida armonica a bocca di Will Scarlett che con i suoi puntuali interventi danno un determinante segno di originalità al suono, e gli arrangiamenti proposti dai tre sono splendidi (“Uncle Sam Blues”), con il basso di Casady che duetta con la chitarra e offre una chiara visione del valore del musicista soprattutto nelle composizioni originali come “Mann’s Fate” e “New Song”.

Nel 1996 venne pubblicata una ricca versione del disco con ben cinque inediti tra i quali un bellissimo “Know You Rider” e “Keep your Lamps Trimmed and Burning”, sempre del Reverendo; nel 2010, a cura della Sony nella collana “Collector’s Choice Music” vene pubblicato altro materiale proveniente dagli stessi concerti con il titolo “Live at New Orleans House Berkeley California 09/69”.

GRATEFUL DEAD “WORKINGMAN’S DEAD 50th ANNIVERSARY EDITION”

Warner Bros Records, 1970. Rhino Records, 3CD 2020

di alessandro nobis

Tra i dischi registrati dai Grateful Dead in uno studio, quello che personalmente preferisco è il loro quarto pubblicato nel 1970, ovvero “Workingman’s Dead” ed il motivo è molto semplice; è senz’altro il loro album più legato alle loro radici musicali, al folk, al country, al blues e dedicato ai lavoratori: contiene brani come “Casey Jones” (la storia di un macchinista che guida un treno sotto l’effetto della cocaine). “New Speedway Boogie” (dedicata all’incerto futuro di un cercatore d’oro) e “Cumberland Blues” (un minatore che scende in galleria per 5 dollari al giorno) che la band di Jerry Garcia & C. hanno spessissimo inserito nelle loro davvero leggendarie performance live. Per celebrare il cinquantesimo anno da quel 14 giugno 1970 la Rhino e la Warner pubblicano il vinile in picture disc e soprattutto un triplo CD che, oltre al disco originale al quale sono state aggiunte sei tracce dal vivo (1969 e 1970), contiene la registrazione il loro concerto del 21 febbraio 1971 a Port Chester nello stato di New York con in scaletta cinque brani contenuti in Workingman’s Dead. Per chi non conosce questo capolavoro deadiano l’occasione è ghiotta davvero vista la presenza della registrazione live finora inedita. E come in nessun altro disco dei Dead emerge così forte la “fratellanza” spirituale con gli altri musicisti della Bay Area che a cavallo del ’70 era così forte con gli impasti vocali così vicini alle esperienze di CSN&Y e la presenza di un ipotetico anello di congiunzione rappresentato qui da “Dire Wolf” e da “Teach your children” su “Deja Vu” di Crosby & C.: ancora una volta l’arrangiamento delle parti vocali, la magica steel guitar di Garcia, il carattere acustico del brano ed inoltre la presenza di David Nelson in “Cumberland Blues”, uno dei musicisti che contribuì alla nascita dei New Riders of the Purple Sage, gruppo nato appunto da una costola dei Grateful Dead e che nel 1969 aveva visti nella line-up ancher Phil Lesh e Mickey Hart (“Before Time Began” registrazione live pubblicata dalla Relix).

L’edizione De Luxe di “Workingman’s Dead” contiene come dicevo l’ottimo (l’ennesimo ottimo) concerto di Port Chester, un’occasione da non perdere soprattutto per chi non conosce il lato “americana” di Jerry Garcia & C.

Lato 1

Uncle John’s Band– 4:42
High Time– 5:12
Dire Wolf– 3:11
New Speedway Boogie– 4:01

Lato 2

Cumberland Blues(Garcia, Hunter, & Phil Lesh) – 3:14
Black Peter– 5:41
Easy Wind(Hunter) – 4:57
Casey Jones– 4:24

Brani inediti:

“Dire Wolf” recorded June 27, 1969, at Santa Rosa Veteran’s Memorial Hall, Santa Rosa, CA
“Black Peter” recorded January 10, 1970, at Golden Hall Community Concourse, San Diego, CA
“Easy Wind” recorded January 16, 1970, at Springer’s Ballroom, Gresham, OR
“Cumberland Blues” recorded January 17, 1970, at Oregon State University (Gymnasium), Corvallis, OR
“Mason’s Children” rec. Jan. 24, 1970 at Civic Auditorium, Honolulu, HI
“Uncle John’s Band” recorded October 4, 1970, at Winterland, San Francisco, CA

Edizione per il 50° Anniversario (CD 2 & 3)

February 21, 1971 (Set 1) – Capitol Theatre — Port Chester, New York

1.	“Cold Rain and Snow” (traditional, arranged by Grateful Dead)	7:36
2.	“Me and Bobby McGee” (Kris Kristofferson, Fred Foster)	7:33
3.	“Loser” (Garcia, Hunter)	6:54
4.	“Easy Wind”	8:49
5.	“Playing in the Band” (Weir, Hart, Hunter)	5:25
6.	“Bertha” (Garcia, Hunter)	6:13
7.	“Me and My Uncle” (John Phillips)	3:56
8.	“Ripple” (false start)	1:09
9.	“Ripple” (Garcia, Hunter)	5:24
10.	“Next Time You See Me” (Earl Forest, Bill Harvey)	4:39
11.	“Sugar Magnolia” (Bob Weir, Robert Hunter)	6:08
12.	“Greatest Story Ever Told >” (Weir, Hunter)	4:09
13.	“Johnny B. Goode” (Chuck Berry)	3:42

1.	“China Cat Sunflower>” (Garcia, Hunter)	6:20
2.	“I Know You Rider>” (traditional, arranged by Grateful Dead)	4:29
3.	“Bird Song” (Garcia, Hunter)	6:17
4.	“Cumberland Blues”	4:55
5.	“I’m a King Bee” (Slim Harpo)	7:32
6.	“Beat It On Down the Line” (Jesse Fuller)	3:17
7.	“Wharf Rat” (Garcia, Hunter)	9:46
8.	“Truckin’” (Garcia, Lesh, Weir, Hunter)	8:07
9.	“Casey Jones”	4:39
10.	“Good Lovin’>” (Artie Resnick, Rudy Clark)	17:00
11.	“Uncle John’s Band”

Formazione

Grateful Dead

Jerry Garcia– chitarra solista, pedal steel guitar, voce
Bob Weir– chitarra, voce
Ron “Pigpen” McKernan– tastiere, armonica a bocca, voce
Phil Lesh– basso, voce
Bill Kreutzmann– batteria
Mickey Hart– batteria
Tom Constanten– tastiere nelle tracce bonus dal vivo Dire Wolf, Black Peter, Easy Wind,Cumberland Blues, Mason’s Children