DALLA PICCIONAIA: Casa Dismappa, Verona 7 maggio 2017
di Beppe Montresor. Foto Ida Cassin S.B. (grazie!)
Lo scorso 7 maggio abbiamo assistito ad un house concert ‘fantastico’ – scusate ma è l’aggettivo che immediatamente ci è venuto a mente – del quartetto formato da Giuliana Bergamaschi (voce), Federico Mosconi (chitarra), Paola Zannoni (violoncello) e Luca Pighi (batteria). Il ‘salotto’ scelto per l’occasione era quello di Casa Dismappa, alias Nicoletta Ferrari, uno spazio nato appositamente per accogliere e ospitare persone con disabilità motorie, in pieno centro a Verona in Corso Portoni Borsari. Una sorta di showcase scelto dal quartetto non solo per allietare gli amici ma anche per far conoscere agli addetti ai lavori, che per qualche motivo ancora non hanno avuto ancora il piacere di conoscerlo, la cristallina bellezza del repertorio in questione, interamente dedicato a brani di Fabrizio De André. Una premessa che dobbiamo fare: consideriamo quella di Fabrizio De André la voce più alta della canzone d’autore italiana e probabilmente tra le più alte anche a livello mondiale. Non vogliamo lanciare confronti sempre impossibili, ma la pulizia vocale, il fraseggio apparentemente piano ma capace di infondere incredibile forza e autorevolezza ad ogni parola pronunciata, il gusto melodico e degli arrangiamenti, ci sembrano elementi tutti compresenti nel canto di De André, addirittura in maggior misura rispetto ad alcuni dei suoi celebrati maestri. C’è chi sostiene che Fabrizio, nella gran parte della sua produzione, è stato via via aiutato da diversi musicisti e autori, e probabilmente è vero. Ma alla fine di tutto il processo creativo magari condiviso con altri, c’erano sempre le sue scelte, nella definizione e nell’interpretazione del pezzo, a renderlo unico e inimitabile. Insomma, per reinterpretare senza rovinare De André occorrono sensibilità particolare nell’approccio mentale e tecnico delle canzoni, lunghe assimilazioni del repertorio selezionato alfine di trovare il giusto equilibrio tra la bellezza degli originali (anche quantitativamente, per noi, nessuno come lui: i pezzi poco riusciti in tutta la discografia di Fabrizio si contano probabilmente su una mano, anche in virtù del suo proverbiale ma riconosciuto perfezionismo) e voglia, comunque, di elaborarne con rispetto riarrangiamenti che non risultino goffi, pretenziosi, o invece troppo scontati. Beh, in tanti anni abbiamo ascoltato molte riproposizioni del materiale di ‘Faber’, alcune anche molto belle e interessanti (così a memoria ricordiamo con piacere album delle sarde Andhira nonché del ‘vituperato’ Morgan), ma forse niente così armoniosamente gratificante come quella ascoltata a Casa Dismappa. Giuliana Bergamaschi è voce meravigliosa di donna senza rivali su questo repertorio, sia per motivi di talento naturale ma soprattutto perché, probabilmente, ha ascoltato e continuato a cantare De André da quando era bambina, e ne restituisce ogni sillaba come fosse un puro distillato, corposo, pregnante e delizioso contemporaneamente. Lo può fare, naturalmente, perché sostenuta da uguale delicatezza e gusto (e in primis naturalmente dalla maestrìa tecnica)dei tre strumentisti del gruppo, con i quali l’ormai lunga collaborazione ha fatto fiorire l’intesa, negli intenti e nella loro realizzazione in tutto il suo splendore. Tutta incantevole la scaletta, con brividi al massimo, personalmente, per “Leggenda di Natale”, “Geordie”, “Megu Megùn”, “Il suonatore Jones”, e “Canzone dell’amore perduto”, una di quelle cose che vorresti non finissero mai.
Il primo Cd contiene un brano di ampio respiro suddiviso in tre movimenti, “Structuring the Silence” dove l’interplay tra il batterista svizzero ed il percussionista italiano dà la dimostrazione di quanto possa essere interessante sviluppare il tema dell’improvvisazione non idiomatica offrendo all’ascoltatore continui e forti stimoli per riflettere su questo linguaggio musicale. Il secondo CD contiene invece otto brevissimi ed interessanti spunti improvvisativi, una breve suite in tre movimenti, “Anathem” ed un lunghissimo brano di venticinque minuti, “After the Silence” ascoltando il quale mi sembra davvero difficile pensare che Armaroli ed Hauser non abbiamo preso “accordi” prima di iniziare il processo creativo che mi è sembrato sempre fluido e molto piacevole all’ascolto.
Queste considerazioni – forse banali ed ovvie ma che trovo sempre opportuno ripetere – per ribadire la validità del progetto di cui vi parlo: un incontro tra musicisti e ricercatori competenti, apprezzati e ben conosciuti come Francesco Benozzo (arpa e voce), Lorenzo (chitarra e voce) ed Enzo (violino, chitarra, colascione e voce) Mancuso ed infine Fabio Bonvicini (flauti, voce e percussioni) con un repertorio che si muove tra le parole (ad esempio quelle scritte da un prigioniero, Giangio Banfi, alla moglie Julia che aprono “Disiu ti tia” dei Frantelli Mancuso) e la musica, fatta di brani più conosciuti (“Fuoco e mitragliatrici” in una lezione emiliana e “La figlia del soldato”) ad altri originali come “Quando il mondo fu creato” scritto da Benozzo e Bonvicini e “Cinno Zòbei”, canto militante che richiama la figura di Eliseo Zòbei ed infine “Deus Meus”, ancora dei Mancuso. Un gran bel lavoro curato nei suoni e negli arrangiamenti, dedicato alla memoria, ed a tutte le “donne e uomini spezzati” che lasciarono le loro vite non solo a Fossoli ma negli eventi bellici. Tutti.
sicale pomeridiana che anche quest’anno l’Istituto Storico della Resistenza ha organizzato per la celebrazione del 25 aprile alla Caserma Santa Marta. Spirito incarnato perfettamente da strumentisti di grande valore come il chitarrista Claudio Moro o il batterista Luca Pighi, che hanno messo generosamente il proprio talento a disposizione di cantautori e interpreti di diversa espressività. La Festa offre un po’ di tutto, a differenti livelli tecnici e professionali (ci sono musicisti “ a tempo pieno” o quasi ed altri che affrontano l’impegno più come un ‘piacere’ da concedersi una tantum in sintonia, appunto, con la generale rilassata atmosfera dell’occasione). E al di là appunto di diseguali capacità soprattutto dal punto di vista di consuetudine e padronanza scenica, tutti i partecipanti alla kermesse, dal primo all’ultimo, hanno saputo trasmettere lodevoli elementi di condivisione. Spicca sempre, naturalmente, la carismatica caratura assoluta di Deborah Kooperman, chitarrista/cantante di eccellenza tra classici tradizionali del folk angloamericano (“John Henry”, “The Cuckoo”) e il Dylan da brividi di “Tomorrow Is A Long Time” e soprattutto “Masters of War” (come faceva la Baez, Kooperman ‘taglia’ l’ultima strofa, quella più ‘cattiva’ con i “signori della guerra”). Anche l’Acoustic Duo ( cui per l’occasione si è aggiunto Gianpaolo Zago alla batteria) e Giuliana Bergamaschi sono da tempo forze consolidate di punta sulla scena musicale cittadina. 
Nicola Nicolis è l’emblema di un’indomabile coerenza ad un cantautorato di impegno civile tra antimilitarismo e spirito anarchico. Canzone d’autore di marca classica anche per Alberto Guerra, con reminiscenze non solo di De André ma anche da Vecchioni e Gaber. Margherita Zorzi e Andrea Fiorilli, separatamente e insieme, hanno significativamente omaggiato un Woody Guthrie non troppo conosciuto (“Jarama Valley”, sul sacrificio di volontari antifranchisti nella guerra di Spagna) e Leonard Cohen che rese celebre “The Partisan”. Annalisa Buzzola ha concentrato la sua attenzione su canzoni che, in tempi e luoghi diversi, trattavano il tema dell’emigrazione. Alessandra Torricelli ha portato la sua provenienza lirica sul disinvolto swing italiano anni ’30-40 di “Crapa pelada” e “In cerca di te”, e la Contrada Lorì ha concluso la Festa con la sua proverbiale vena coinvolgente e popolaresca scendendo dal palco per cantare e suonare fisicamente in mezzo al pubblico. Al contrario è salito più volte sul palco, a sorpresa, il polistrumentista e cantante Ottavio Giacopuzzi, imprevedibile “cane sciolto” dal branco in disamo dei Lupi della Stecca.
non ci sono grandi novità dal punto di vista stilistico, sempre gran bella musica eseguita nello stile del chitarrista della Virginia, sempre affascinante ascoltare come sempre riesca a smontare, rimontare e rivestire brani standard, tradizionali e brani scritti da altri suoi colleghi e stavolta eseguiti in totale solitudine. “Maybelline” di Chuck Berry ad esempio (la prima volta che la ascolto in acustico, con una bella intro ed il tempo swingante, “The Preacher” del pianista Horace Silver, l’omaggio al suo indimenticato amico – e ispiratore? – Davy Graham, la danza “Callaghan’s Hornpipe”. E da ascoltare e riascoltare la conclusiva “The Blood of the Lamb”, brano originale.
Se l’oud, il “Sultano degli strumenti”, è uscito dal mondo della tradizione araba – in veste solista o in ensemble o infine in orchestre – lo deve a mio modesto avviso soprattutto al libanese Rabih Abou Khalil ed al tunisino Anouar Brahem (anche se per essere preciso segnalo che Jonathan Tim Jr. a.k.a. Ahmed Abdul-Malik lo aveva già suonato con il gruppo di John Coltrane nel 1961 come nei concerti al Village Vanguard) che hanno saputo trasportarlo nel ventesimo secolo in occidente affiancandogli strumenti provenienti da diverse culture con appropriati arrangiamenti e scrivendo nuove composizioni. E dico questo non solo perché guarda caso il brano che conclude questo affascinante lavoro (“Parfum de gitane”) è stato scritto da Anouar Brahem, ma perché Silvia Rinaldi, Luca Chiavinato e Francesco Ganassin seguono l’idea di inventare suoni di territori immaginari abitati da culture a suoni diversi che in “Rumors” si ritrovano in modo armonioso ed equilibrato, cogliendo in pieno il bersaglio. Violino barocco, liuto barocco, oud e clarinetto basso sono gli strumenti i cui suoni si fondono e si intrecciano ed il cui suono d’insieme è davvero a mio avviso raro a trovarsi di questi tempi mescolando in modo sempre rispettoso musica antica, musica del novecento e contemporanea. E le nuove ambientazioni delle scritture di Erik Satie (sorprendente quanto originale e piena d’effetto la riproposta della Gnossienne No. 1), di John Dowland o del già citato autore tunisino vanno a complementare le nove composizioni originali, tra le quali vi segnalo “Barracuda” del clarinettista (Francesco Ganassin), “Le Voyage” scritta dal liutista Luca Chiavinato (qui all’oud) e “Rumors” che da il titolo a questo splendido disco. Ancor più splendido per il fatto che, anziché rinchiudersi in uno studio di registrazione, il trio New Landscapes lo ha registrato dal vivo a Mestre, all’Auditorium Candiani nel giugno del 2016. Niente male per un esordio.
Difficile riprodurre in concerto la musica registrata in studio e pubblicata in “Ripples in the Lagoon” vuoi per la purezza del suono, per l’assenza di un impianto di amplificazione ed infine per la caratteristica che accomuna le “situazioni” dal vivo che non siano festival o rassegne, ovvero l’impossibilità di presentare la musica in un ambiente totalmente silenzioso. Ma, alla conta dei fatti, il progetto regge bene, il trio è molto affiatato ed il suono – alla luce dicevo di un’amplificazione – è stato equilibrato ed i tre musicisti sono riuscite bene a controllare i volumi, anche quando la tromba veniva “filtrata”. La strada è quella tracciata nel loro primo disco, che abbiamo ascoltato nella sua interezza, ed il suo proseguimento si è ben visto nei quattro brani inediti ppresentati: “Red Wine”, “Nocturna”, “Cannibal” e “Abrazar”, jazz nel grande fiume del mainstream ma tutto di composizione, con una formazione abbastanza inusuale che dà un ulteriore tocco di particolarità al TK. Bella l’intro di batteria di “Nocturna” ed il seguente solo di Zantedeschi al flicorno, ed è stato molto godibile riascoltare la bellissima “Run About” – sembra uscita da un noir anni sessanta in bianco e nero ……….. indovinate voi il titolo – guidata alla tromba con la sordina e l’atmosfera di “Ripples in the Lagoon”.
“Una via di mezzo tra biografia e réportage”, per sottolineare la grandezza di un artista che nella sua canzone parlava di “amore, libertà e democrazia”. Così Enrico de Angelis, alla Libreria Feltrinelli, ha cominciato la presentazione di “Luigi Tenco”, di Michele Piacentini (Imprimatur, 158 pagine, 14 euro), portavoce della famiglia degli eredi del cantautore piemontese e figlio di Tullio Piacentini, uomo di cinema – oltreché antifascista storico – che a metà anni ’60 girò alcuni filmati musicali (due dei quali con Tenco, “Ho capito che ti amo” e “Io lo so già”) destinati ai cinebox, e sorta di antesignani dei futuri videoclip. Al di là della sua vicinanza con la famiglia Tenco (cioè Graziella, moglie del fratello di Tenco Valentino, e i suoi figli Patrizia e Giuseppe), Piacentini ha assicurato di aver scritto il libro in totale autonomia, con l’idea prioritaria di ‘ripulire’ la figura di Luigi da tutte le falsità e i luoghi comuni (per esempio la ‘leggenda’ del cantautore triste e depresso per antonomasia) che a lui sono stati associati dopo la sua morte al Festival di Sanremo. Naturalmente anche se la presentazione del libro (come una conversazione in serata con Enrico de Angelis e Margherita Zorzi allo Speziale di via Venti Settembre) è stata inserita in una serie di eventi in tutta Italia e a Parigi allo scopo di ricordare vita e compleanno di Tenco – che cade il 21 marzo – più che la sua scomparsa nel gennaio 1967, non si è potuto fare a meno di discutere anche della sua tragica fine, qualificata formalmente dagli atti di polizia come “insano gesto”. Piacentini nel libro ha evidenziato, in totale oggettività, le tante ovvie discrepanza nelle indagini, chiaramente sostenendo l’idea che il “biglietto d’addio” di Tenco trovato nella sua camera da Dalida fosse in realtà un atto di denuncia del guazzabuglio di losche manovre di vario tipo che circolavano dentro e attorno al Festival di Sanremo. Se non si può provare che Tenco sia stato fisicamente assassinato quella notte tra il 26 e il 27 gennaio, certamente da quel momento è stato immediatamente messo in atto un suo omicidio metaforico da i tanti che hanno tentato di ‘liquidarlo’ come un atto compiuto da un uomo infelice, depresso, squilibrato, forse alterato da abuso di alcol e droghe. Niente di tutto questo in una persona anche al Festival estremamente lucido, analitico, e tutt’altro che sprovveduto, anche se profondamente sincero, onesto, altruista, generoso, intriso di quegli ‘antichi’ valori contadini con cui era stato cresciuto tra i vigneti di Ricaldone, lontano dai vizi, dall’affarismo e dai compromessi (anche con certa malavita) dello show business. Tenco era assolutamente deciso alla pubblica denuncia di tutto questo, idea naturalmente non tollerabile da chi, anche molti suoi colleghi che si sono definiti ‘amici’, di questo sistema era parte attiva o comunque non avversa. Piacentini ha parlato di “colpevoli omertà” o di volute ‘distorsioni’, per diversi motivi, anche da parte di Mogol, Lucio Dalla, Gino Paoli, Bruno Lauzi, solo per citare celebri personaggi della canzone che, pur sapendo, hanno sempre preferito tacere; mostra invece comprensione per Dalida, che a suo giudizio non avrebbe mai superato il senso di colpa per non essere stata, in quel momento, completamente a fianco di Luigi, dalla cui battagliera onestà era pure sinceramente affascinata.
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